Nadie sabe de dónde ha salido Meghan Trainor, pero ella ya ha conquistado los charts mundiales con su All about that bass y con el posterior Lips Are Moving. Y es ahora cuando esta compositora se lanza de lleno a la industria con su primer trabajo en solitario. Title, el (original) título de este álbum (y también de su primer EP) se presenta ante nosotros con un estilo muy marcado ¿llegará a sorprender? Descúbrelo en nuestra review:

1. The Best Part -

Sin calificación, es únicamente una introducción rellenapistas de 25 segundos.

2. All about that bass ★★★

Ya hemos hablado mucho de este tema, con el que se presentó Meghan Trainor y que realmente propició que acabara sacando el álbum que ahora analizamos. Aunque no a todo el mundo le entra fácil, la canción es pegadiza a niveles insospechados. Nos encontraremos pronto tatareándola sin querer, y por mucho que intentemos olvidarla no podremos. A eso ayuda el peculiar tono de su videoclip, que convierte a esta canción en el guilty pleasure de todo radioyente.

3. Dear Future Husband ★★

Siguiendo el rollito de los 50, Trainor nos presenta esta canción que empieza a parecer un poco sacada de La Tribu de los Brady. Si obviamos eso, el tema es escuchable, optimista y simpático. Aunque no consigue ser realmente pegadizo, si que nos puede alegrar una tarde. Pero eso sí, empezamos a temer que el disco empiece a ser todo igual.

4. Close your eyes ★★

Y todo eso cambia con este tema, la primera balada del disco que suena a una primeriza Taylor Swift. Sí, suena a ese pop lleno de country que tanto gusta en los Estados Unidos y que aquí no es del todo bien recibido. Un tanto lenta, plana y repetitiva. Eso sí, no aburre por su propia naturaleza, al ser un tanto más movida que las baladas de divas a las que estamos acostumbrados, pero se empieza a echar de menos una canción en la que Trainor desate su potencia vocal (si la tiene).

5. 3am ★★

Esta canción suena a muchas otras, algo que no es malo pero falla justo en lo poco memorable que es. Se queda con los ritmos, la métrica y las letras de otros temas, pero nunca llega a explotar ese potencial. Un uptempo que bien podría ser un descarte de Taylor Swift o un tema del disco de Bridgit Mendler.

6. Like I'm gonna lose you ft. John Legend ★★

Otra balada pop con un poco más de salsa, un tanto más íntima que Close your eyes pero que tampoco se pasa en ser muy original. John Legend le da variedad a la canción, aunque hay que reconocer que tampoco se convierte en una colaboración memorable. Edulcorada, con potencia pero a la vez un tanto sosa.

7. Bang Dem Sticks ★★¿★?

Y de la balada, Trainor se pasa al R'n'B tan rápido como puede. Incluso rapea. ¿Hay algo que no pueda hacer? Como salida de 2003 se saca este tema que suena a Destiny's Child y que se convierte en una de las canciones más inclasificables del disco. ¿Es buena o mala? Si algo tiene Trainor es que sabe hacer canciones que no aburren pero tampoco estoy seguro de que haya salido bien parada de este berejenal de canción.

8. Walkashame ★★★

Y volvemos a reiniciar el disco. Volvemos a los 50, a las trompetas y a las letras de quererse a uno mismo. Pero también a los estribillos a los que les falta algo. Aún así Walkashame no es para nada mala, es divertida, entretenida y está bien producida.

9. Title ★★

La canción que da nombre al disco sigue en la media. Un tanto más simple en su estructura y en su producción, Title es maja, pero empieza a sonar a todo lo demás. Aún así es de las más pegadizas, ¿el gran problema? Ese corte en medio de la canción donde se intenta transformar en algo urbano que nunca debería haber llegado a suceder.

10. What if I ★

Y de repente una balada sacada de cualquier comedia romántica de los 90 en su punto romántico. Un canción que empieza con un Mariah Carey para acabar pareciendo más un Carrie Underwood. Si bien, Trainor sigue sin demostrar potencia vocal alguna, al menos si está dejando claro en este disco que un tanto versátil es.

11. Lips are moving ★★★

Otra de las canciones más pegadizas del disco. Si bien al principio suena incluso más rara que All about that bass, Lips are moving también se acaba haciendo un hueco en nuestra cabeza. Esto es lo que mejor se le da a Trainor, y es lo que debería explotar. Estribillos que se quedan en la cabeza, optimismo por los cuatro costados y mucha diversión.

12. No good for you ★★★

De nuevo, optimismo y alegría en una canción donde lo mejor esta vez es la letra. La canción en sí misma encierra una buena producción aunque vuelve a recordar más a temas propios de 2005 que de 2015. Le falta algo pero, sin duda, la canción se posiciona con las mejores del álbum.

13. Mr. Almost ft. Shy Carter ★★

Sin ser un desastre, esta nueva colaboración tampoco supone nada nuevo en el panorama del disco. Ni seduce ni disgusta, un tema que importa igual si está como si no.

14. My selfish heart ★★

Misma crítica que al tema anterior, a estas alturas parece que ya hemos escuchado todo lo que tenía que decirnos Meghan y esta canción parece que sobra. Ya estamos empachados, en un tema que se posiciona incluso ligeramente peor que el anterior.

15. Credit ★

Ya lo decía Cheryl, "Too much of anything can make you sick" y entre que esta canción final no está muy inspirada y que suena todo lo demás, pues como que mejor olvidarla.

Conclusión

Meghan Trainor consigue con Title un álbum debut que se mueve dentro de lo mediocre, pero que dentro de esa mediocridad no sale mal parado. Title se postula como un álbum entretenido pero poco memorable, se deja escuchar pero una vez terminado no apetece volver a oírlo y raros son los temas que realmente se quedan en nuestra mente. Por tanto, Trainor lanza un primer álbum de fast food, rápido, ligero y bueno mientras se escucha pero que no acaba de llenar del todo una vez acabado. Si algo positivo tiene, sin duda, es la versatilidad y originalidad de su autora. Pero sólo eso.

NOTA FINAL:

 ★★

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Si algo ha marcado el mundo audiovisual a finales de 2014 ha sido la polémica creada por el ataque hacker a Sony Pictures. Una de sus principales consecuencias (más allá de airear todos los trapos sucios de la compañía) fue cancelar el estreno de The Interview, la película protagonizada por Seth Rogen y James Franco contra el régimen norcoreano. Numerosas polémicas han surgido, pero la película finalmente ha salido a la luz en un estreno directamente en plataformas digitales, que ha llevado a la película a amasar 15 millones de dolares en sus primeros días. Pero ¿y la película en sí? ¿Merece nuestra atención más allá de toda la polémica? Nosotros ya la hemos visto y ésta es nuestra review:

Una entrevista con buena base

La película nos pone en la piel de David Skylark (James Franco) y su productor ejecutivo Aaron Rapaport (Seth Rogen), ambos llevan 1000 programas en directo de Skylark Tonight, lo que parece ser un late-show al que acuden famosos a pasar un rato agradable, ser entrevistados y a dar exclusivas importantes. Sin embargo, no es un programa muy bien tratado por sus compañeros periodistas, puesto que, a pesar de que tiene audiencias millonarias alrededor del globo, los temas que tratan son de escaso interés cultural o social (es decir, es como si se hiciera una película de Sálvame).

Pero llega el primer bombazo (más allá de que Eminem salga del armario en el programa). Kim Jong-Un, líder de Corea del Norte, es fan del programa. La oportunidad perfecta para demostrar que desde Skylar Tonight saben hacer periodismo de verdad.

La premisa, por tanto, es espectacular, arriesgada, divertida en sí misma y muy gamberra. Y la verdad que el desarrollo de ésta no decepciona. Continuos gags y sketches, cameos inesperados y unos personajes en el mismo tono de la película hacen de The Interview un agradable (y escandaloso) pasatiempo.

Pero lo que más destaca de la película en sí son dos apartados: montaje y música. Sin ambas dos, la película caería en el aburrimiento y en la absurdez, pero el montaje (basado en la continua sucesión de planos y escenas) hace que la película se pase rápido hasta en sus momentos más flojos. Todo aderezado con una banda sonora elegida de forma espectacular, pasando desde música electrónica coreana (similar al Gangnam Style que tanto triunfó hace un par de años) a Firework de Katy Perry, que juega un importante papel en la película.

Pero mal planteada

Sin embargo, y a pesar de que es un barco que se mantiene a flote, The Interview no deja de fallar en el que debería ser su punto fuerte. Estamos ante una película planteada como una comedia, sin embargo, son escasas las veces que la película hace gracia. La película entretiene, e incluso te saca alguna sonrisa, pero es todo gracias a elementos externos, siendo un desastre en lo básico: hacer gracia en el guión. Y es que Seth Rogen y James Franco tienen una gran química que hacen que los momentos de guión que llevan la película hasta su siguiente estado sean de gran calidad, pero se pierden cuando ambos actores se sumergen en diálogos anodinos que se repiten una y otra vez para intentar que hagan gracia (¿era necesario que Franco repita durante cinco minutos que sus partes le huelen mal tras tener relaciones íntimas con una chica? No lo creo).

También, y aunque los gags de la película se basen en el exceso, encontramos que sobran determinadas escenas muy pasadas de rosca y sobre todo, violentas por el mero hecho de serlo y sin justificación alguna. De hecho, éstas se encargan de cortar el ritmo y el tono de la película, bastante más blando de lo esperado. 

Finalmente, podemos decir que otro de los grandes fallos es la duración de la película. Casi 2 horas de metraje (una hora y cincuenta minutos concretamente) que hacen que cuando ha transcurrido una hora hayan pasado tantas cosas y de forma tan rápida que nosotros, como espectadores, tendemos a pensar que la película ya no tiene mucho más que contar. Y así es, la película a partir de esa hora flojea un poco, haciéndonos pensar que un metraje más concentrado en su parte final hubiera sido mejor para el producto.

Conclusión

Creo que, tras la nueva ola de comedia americana, nadie esperaba que The Interview fuera realmente una comedia incisiva con el régimen norcoreano, sino más bien una donde el uso de éste fuera meramente un recurso. Y así es, estamos ante la quincuagésima comedia absurda y de desfase proveniente de Hollywood. Pero eso no es para nada malo. The Interview copia directamente el humor de este tipo de películas (¿cuántas veces más vamos a tener que ver a alguien metiéndose algo por el ano para que no lo descubran?) pero lo que hace amena esta película es que lo dispone en un nuevo escenario.

¿Está a la altura de la polémica? No. ¿Va más allá del "caca, culo, pedo, pis"? Tampoco. ¿Merece la pena invertir tu tiempo en ella? Puede. 

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Four continúa el camino que ya inició su anterior trabajo, Midnight Memories, y parece que One Direction se convierte lentamente en el Take That de 2006. El sonido chicle de sus primeros trabajos ha desaparecido prácticamente y ahora dominan las guitarras moody, la melancolía y las baladas, lo que se suele calificar como madurez a nivel musical. Parece absurdo si recordamos que la edad máxima en One Direction son 22 años, pero asemeja ser la dirección, valga la redundancia, que han emprendido. Por eso quizá la nueva actitud que lleva el grupo, de jersey de cuello vuelto y mirada ausente, aparente forzada: era antes de ayer cuando brincaban y sonreían como si fuesen Parchís. Aun así cuatro años son una eternidad para una banda pop, sobre todo para un fenómeno de masas como este. Las Spice Girls y S Club 7, por ejemplo, no llegaron a cumplirlos antes de separaciones y abandonos. 

Aunque los rumores de separación de One Direction sean ahora más fuertes que nunca, está claro que al menos en el plano musical, la gallina de los huevos de oro de Simon Cowell sigue funcionando adecuadamente. Four es un disco completo, coherente y que peca de monótono a veces, pero que no renuncia a las melodías pegadizas ni al fanatismo de sus seguidoras. Prácticamente la mitad del disco podría ser single: Steal My Girl, Ready To Run, Night Changes y Fireproof ya lo han sido o al menos han sido usadas como gancho pre lanzamiento. Son los mejores temas junto a Spaces e Illusion: el primero es una balada clásica de boy band y el segundo se acerca lo suficiente al mejor McFly pero sin dejar de ser One Direction.

 Esta línea McBusted la siguen también con Girl Almighty, No Control y Stockholm Syndrome y Change Your Ticket, representando también el lado divertido del grupo, que sigue existiendo pero de una forma más pícara que cómica. En este sentido siguen la línea de temas anteriores como Diana y Happily. A estas se añaden Fool's Gold y Once In A Lifetime, dos baladas sencillas pero resultonas que redondean el album, aportándole variedad melódica. 

En definitiva, Four supone un paso al frente de la banda más mediática de los últimos años, que evoluciona con respecto a su anterior trabajo, logrando encontrar finalmente su sonido, una amalgama de guitarras eléctricas, baterías sintéticas, estribillos que se corean solos y una producción más que aceptable.

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La semana pasada asistíamos al estreno en televisión de una de las apuestas más arriesgadas en ficción española que se han lanzando en los últimos años en las cadenas privadas de este país. Hablamos de Cuéntame un cuento, la serie que Antena 3 mandó crear a Eyeworks hace ya la friolera de casi tres años. Es ahora cuando el canal decide estrenarla para el gran público, después de la gran acogida que la serie tuvo en Cannes. Hasta donde sabemos, canal y productora están contentos con el resultado (aunque las audiencias no hablan de éxito, si que mantienen un público fiel) pero ¿hasta dónde esa alegría se corresponde con la realidad?

Blancanieves y la Madrastra

La semana pasada la serie comenzó con Los Tres Cerditos, una fábula menor dentro del imaginario de cuentos que fue trasladada con grandes ideas pero con poca fortuna a un capítulo de 70 minutos de duración. Si bien era rompedora, por momentos no llegaba a interesar. Con miedo nos acercamos al segundo cuento que nos ofrecía esta serie, Blancanieves, y esta vez el giro al cuento no podía ser mejor.

El reino se convierte en un imperio de cosmética, los enanitos pasan a ser una banda de ladrones, el príncipe es el propio hijo de la madrastra y Blanca (o Nieves) tendrá que enfrentarse a la tesitura de hacer caso a quienes han cuidado de ella desde que quedó huérfana de padre o volver a reencontrarse con su madrastra llena de malas intenciones que ella desconoce.

Pero sobre todo, lo más importante es que, más allá de la vuelta de tuerca, el guión se sostiene por sí mismo. Reparte todos los puntos álgidos de forma que cuando el espectador crea que va a empezar a aburrirse, le dan otro aliciente para que siga expectante ante lo que va a pasar. Es una clase de ritmo en la ficción española.

Blanca Suárez y Mar Saura

A nivel interpretativo podemos decir que el reparto está bien escogido, con una Blanca Suárez metida en el papel, ya no de princesa, sino de chica dura y con una Mar Saura que roba el show escena a escena. Y es que a Mar Saura le gusta hacer de villana, y se le nota que lo disfruta. A pesar de que sus frases no tengan la contundencia esperada, Mar se vale interpretativamente de su rostro, dándonos los mejores planos del episodio y mostrando una maldad igual de intensa que laureadas interpretaciones como la de Madeleine Stowe en Revenge. Tanto es así que en la redacción no hemos podido evitar colgar una foto de la Reina.

Por otra parte, los enanitos y Guillermo Barriento como El príncipe Azul cumplen su función dentro de la obra, aunque no llegan a tener un desarrollo mayor.

Conclusión

No es un relato perfecto, de hecho, al final se hecha en falta una conclusión más clara y menos precipitada, y es que apenas existen treinta segundos tras el clímax del capítulo donde se resuelve "todo". Y existe algunas escenas anticlimáticas, como las plenamente sexuales, que llegan a ser un tanto desagradables por parecer forzadas, pero no podemos negar que estamos ante la gran historia de Cuéntame un cuento. Un capítulo bien llevado hasta el final, con ritmo, que se toma en serio cuando debe y sobre todo, que hasta cierto punto hace justicia a la obra original. 

Nosotros ya estamos esperando el estreno de Caperucita Roja, el cuento de la próxima semana ¿y vosotros?

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El cuarto álbum de Cheryl, ex Cole y ahora Férnandez-Versini, comienza con una lectura de Alan Watts: ¿Qué es lo que realmente deseo? El discurso habla sobre encontrar el camino que uno quiere tomar en la vida, aunque tras escuchar Only Human se podría devolver la pregunta a la propia Cheryl, porque parece más perdida que nunca. Tras la solidez de A Million Lights, su anterior album, el comeback de la ex Aloud es un batiburrillo de estilos que no conducen a ninguna parte. 

Varias cosas caracterizan a Only Human, pero la primera y más esencial es la absoluta falta de coherencia. Crazy Stupid Love pudo hacer creer que el disco iba a ser pop y divertido, concepto que apoya I Don't Care aunque incline más hacia el dance. Pero no, aquí se termina el cupo de diversión. El álbum está lleno de baladas y mid tempos bastante aburridas y repetitivas y sin melodías reconocibles o tarareables. Entre ellas destaca el tema que da título al disco, Only Human, que pese al abuso de vocoder consigue ser pegadiza y emocionante, algo que no logra hacer ninguna de las otras. Es sin duda la mejor balada de la carrera de Cheryl, aunque teniendo en cuenta el nivel de las anteriores - mención especial a la desastrosa Don't Talk About This Love - tampoco es especialmente meritorio. 

A mitad del disco nos encontramos con cortes dance pop, como It's About Time o Stars, que habrían estado de moda si las hubiese sacado Alexandra Burke en el año 2010, pero que a día de hoy no aportan nada y hacen destacar las carencias de Cheryl como vocalista. Y del dance pop nos pasamos al R&B comercial con Throwback, que suena al Jason Derulo de Whatcha Say o All In One Night, que es un poco el hermano pequeño de Guetto Baby. Coming Up For Air, la colaboración con Joe Compass es la más interesante de las propuestas urban del disco, un tema mucho más sucio que intenta acercarse al sonido de The Weeknd y que tiene armonías vocales interesantes, pero tampoco llega a encantar. 

Y si decíamos que Only Human es la mejor balada que ha hecho Cheryl jamás, en Yellow Love nos encontramos el mayor despropósito de su carrera, y ya no solo en solitario sino también con Girls Aloud. No solo es incomprensible que una canción de tan poca calidad consiga colarse en el track list de cualquier disco de un artista medianamente conocido, es que encima la voz de Cheryl suena mal, fatal, desafinada incluso, un flaco favor que le hace al disco y a sí misma. La co-autoría del tema es de su compañera Aloud Nicola Roberts, que participa en otros tres temas. Por no hablar de Fight On, un tema dirigido a sus soldiers - nombre con el que se conocen sus fans - y que es sencillamente insalvable. 

Como a veces suele pasar, tenemos que llegar a los bonus tracks de la versión deluxe para encontrarnos con canciones que superan con creces la mayoría de los del disco: Tattoo y Firecracker. La primera tiene la melodía más instantánea tras los dos singles, y la segunda es una composición de Sia que debería ser el tercer y último single, por seguir al menos la línea pop divertida que se ha mantenido hasta ahora. 

W T F : Apartado especial merecen Live Life Now y Goodbye Means Hello. La primera es una canción hablada por Cheryl y que básicamente redunda en el mensaje del texto de Alan Watts incluido como intro. Repetimos, canción hablada, como si Cheryl fuese la Maya Angelou del 2014. Y la segunda es, aparentemente, el tema estrella de Nicola Roberts para este disco, y pese a estar co-escrita por cinco personas más y samplear otros dos temas, no consigue arrancar. Los "cu cú" del principio se los podían haber ahorrado. 

Se salvan: I Don't Care, Only Human, All In One Night, Coming Up For Air, Tattoo, Firecracker. Aunque no haya propiamente ninguna canción cinco estrellas, sí es verdad que estas seis pasan la criba. Si a estas seis añadimos Crazy Stupid Love, Waiting for Lightning y Throwback nos faltaría un tema para tener un disco de 10 canciones bastante más decente que el despropósito de 18 que finalmente ha resultado. 

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Taylor Swift quería que 1989, su quinto álbum de estudio, fuera una evolución de su sonido pero sin perder su esencia. Ya lo intentó en el pasado con gran éxito (sobre todo con la música electrónica en I knew you were trouble de su disco Red) y ese es el camino que quiere seguir, el de la experimentación. 1989 se planteaba así como su disco más ambicioso y aunque el resultado puede no gustar a todos, desde luego Taylor Swift ha sido valiente (en algunos temas más que en otros) y se moderniza buscando elementos en el pasado. La fecha que da título al álbum se convierte en algo más que el simple año de nacimiento de la cantante estadounidense, es toda una declaración de intenciones. Podéis comprobarlo en nuestra review canción a canción:

Welcome to New York ★★

El disco empieza flojito, con una canción que nos hace temer lo peor pero que también muestra lo que Taylor quiere conseguir. Cambiando los pianos por teclados y con una base un tanto ochentera, Swift nos presenta una canción happy, que recuerda a grupos como Capital Cities pero que acaba siendo repetitiva y que ni de lejos, tiene madera de single.

Blank Space ★★

Copia el mismo estilo que la canción anterior, ese pop pseudoindie que hace de la canción un medio tiempo que ya hemos visto decenas de veces, sobre todo porque no hace tanto se pusieron de moda este tipo de canciones. Un estilo que a Swift no le favorece nada, donde el estribillo no llega a explotar y donde lo único que reconoces de la cantante son sus letras.

Style ★★

Empezamos a creer que Eurythmics han sido los encargados de producir el nuevo álbum de Taylor. Style se convierte en la primera canción un tanto pegadiza del disco, pero tampoco se pasa. Con aires de himno, esta canción no es nada que no hayamos escuchado antes. Con un aire muy superficial, la canción tiene puntos de brillantez, pero se queda a medias.

Out of the woods ★★★

Con toda la polémica de ser la canción que le ha dedicado a su ex Harry Style, Out of the woods ha conseguido tener una gran difusión gracias a las redes sociales. Pero ¿es para tanto? La respuesta es ni tanto ni tan calvo. Es un medio tiempo bien producido, con aires un tanto étnicos que le sientan muy bien y que hacen de la canción algo grande, pero tampoco es la quintaesencia del pop.

All you had to do was stay ★★★★

Parece una balada típica de Taylor pero si le damos la oportunidad, enseguida se transforma en un medio tiempo estupendo. La canción se pega e incluye los berridos agudos que tanto no los dieron todo en I knew you were trouble y en We're never ever getting back together. Aunque le falta un poco de fuerza, se convierte en lo más destacable del disco en su versión normal.

Shake it off ★★★★

El tema más movido de todo el disco. ¿Qué decir que no se haya dicho ya? Bailable, divertido y reivindicador. Una Swift que está en su salsa y que debería explotar más. Deja de lado los ochenta para marcarse este tema que se convierte en todo un grower.

I wish you would ★★

No sabemos de dónde ha salido esta canción ni por qué está incluida en el disco. No porque sea mala (del todo), sino porque Taylor se marca una balada electrónica al más puro estilo Selena Gomez. Destaca en la escucha por lo innovadora y por su buena producción, no porque de verdad nos llene.

Bad Blood ★★

Amor-Odio con esta canción. Empieza horrorosamente fatal, con una Taylor Swift intentando hacer un papel que no es, que espanta, unos puentes un tanto vistos y un estribillo insulso... Pero la canción al final cambia, y el estribillo se vuelve interesante, explosivo. Nos hace preguntarnos cuál fue la decisión para que el resto de la canción no fuera como ese gran final.

Wildest Dream ★★

Taylor Swift se transforma por un momento en Lana del Rey y nos da este tema, una balada bien hecha, interpretada, diferente, que no aburre pero que tampoco destaca. Mejorable.

How you get the girl ★★★

Y llegamos a la Love Story 2.0 en el sentido más literal. Misma estructura y mismo sonido para una Taylor Swift que ya está más crecidita. Sin embargo, es de lo más movido del disco, sigue siendo divertida, escuchable y, sobre todo, muy Swift.

This Love ★★★

Y pasamos a una balada de sensaciones encontradas porque es muy épica y muy íntima a la vez. Una Taylor inspirada en un tema que sube un poco la media, una balada bonita, escuchable y de las de acurrucarse a llorar.

I know places ★★★

Eurovisión aborda a Taylor Swift. Un medio tiempo que crece enormes en su estribillo. Con una base un tanto extraña (a veces parece como que la letra no está bien ajustada), I know places no es sólo agradable en su primera escucha, sino que es de las pocas canciones que querrás que estén en tu iPod.

Clean ★★

Taylor cierra el disco en su edición normal con esta canción que tampoco supone nada para el trabajo que acabamos de escuchar. De nuevo, una balada que no destaca ni para bien ni para mal. Se deja escuchar pero no se nos clava. 

DELUXE

Wonderland ★★★★

¿Por qué Taylor ha dejado esta canción fuera de la edición normal? No lo sabemos. Tiene fuerza y tiene gancho. Gusta desde el primer momento e incluso hace que Swift suene un poco (pero sólo un poco) como Rihanna. Este es el single que llevábamos esperando todo el disco.

You are in love ★★

Balada de aires ochenteros que no dice nada. De ésta ya hay un par en el disco, no la hubiéramos echado de menos si se quedaba fuera. Pero tampoco duele escucharla.

New Romantics ★★★★

Taylor Swift suena a Icona Pop en esta pista. Vibrante, movida y bailable. Nos hace preguntarnos quién ha sido el que ha decidido que la edición Deluxe se lleve dos canciones que hubieran mejorado al disco mucho en su edición normal.

CONCLUSIÓN

Taylor Swift tiene un problema con este disco, y es que sin ser nada malo, no destaca. Todos los temas tienen una calidad más o menos general que hace que nada destaque de la media ni por encima ni por debajo. La búsqueda de una nueva identidad más madura para Taylor es fructífera y cuenta con unos altos niveles de producción, pero no llega al sobresaliente, en parte por el miedo de la artista a deshacerse de su anterior yo y en parte porque lo nuevo que ofrece no es del todo novedoso. Escuchable y muy notable este 1989, aunque no es un disco que se quede en la memoria con una única escucha y eso puede jugar en su contra.

NOTA FINAL

 ★★★

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Tras Problem con Iggy Azalea y Break Free con Zedd, a la que hay que sumar la colaboración con Jessie J y Nicki Minaj en Bang Bang, todos estábamos expectantes con lo que Ariana Grande podía ofrecer en su segundo álbum de estudio. Dejando de lado el estilo de adolescente ñoña para convertirse en toda una mujer de armas tomar, Ariana presentaba My Everything, la que creíamos que podría ser una entrada a lo grande en el mundo del pop (y más tras los flojos resultados a nivel de calidad de cantantes consagradas como Katy Perry, Lady Gaga o Jennifer López). Sin embargo, el hype puede jugar malas pasadas y la Grande no consigue desmarcarse de su pasado. Os presentamos nuestra review canción a canción de My eveything, donde no es oro todo lo que reluce.

1. Intro - ★

Gorgoritos de Ariana Grande y un instrumental durante apenas minuto y medio (y menos mal) que introducen el disco que vamos a empezar a escuchar. Así como si la chica necesitara una excusa más para que la comparen con Mariah Carey. Pista que sólo sirve para rellenar contraportada y que parezca que hay una canción más de las que realmente tiene el disco. 

2. Problem feat. Iggy Azalea - ★★★★

¿Qué podemos decir de este tema que no se haya dicho ya? Uno de los hits de este verano 2014 que no para de sonar, con su estupenda y movida base R'n'B, Ariana nos interesa por el cambio tan drástico de personalidad musical, y lo bien que le sienta. A ello se suma una colaboración excepcional, donde Iggy Azalea pone el punto gamberro a la canción ya que, por mucho que lo intente, la propia Ariana se hubiera quedado corta. Sin duda, el mejor tema del disco.

3. One Last Time - ★★★

Un medio tiempo que el mismísimo David Guetta se ha encargado de producir. Ariana sigue interesándonos y se marca un tema que podría haber tenido cabida en el Stars Dance de Selena Gomez. Con un poco más de potencia vocal que ésta última, One Last Time de primeras puede pasar desapercibida, pero con la escucha completa del disco nos damos cuenta del valor real de esta canción que se crece conforme llega al final y que pide a gritos acompañarnos en algún momento de nuestra vida.

4. Why Try - ★★★

Y de Selena a Sia. Una balada hecha expresamente para que Ariana se desmarque vocalmente de su competencia. Y lo consigue. Con tambores y un "nana nana na" un tanto étnico, la cantante nos trae este tema que nos recuerda a la artista que no quiere famosa, y funciona a la perfección. Ariana se hace con la canción desde el segundo uno y nos muestra que eso de cambiar de estilo lo domina como nadie.

5. Break Free feat. Zedd - ★★★

De nuevo, tampoco hay mucho que decir de este tema que ha realizado en colaboración con Zedd. El único tema que tira más por el dance (o EDM) y que acaba siendo la canción más movida de todo el álbum. Sin ser la mejor canción de este estilo que hayamos escuchado, este dúo hace que Break Free nos deje un buen sabor de boca. Disfrutable, amena y divertida. Algo que se va a empezar a echar en falta en lo que queda de disco.

6. Best Mistake feat. Big Sean - ★★

Balada lenta, muy lenta y muy tranquila, en la que Ariana tampoco demuestra todas las dotes vocales que esconde y con una colaboración un tanto al azar que se hace larga pues aproximadamente la mitad del tema son los versos de Big Sean. Se deja escuchar, pero Best Mistake acaba siendo un tema sin nada que le haga destacar pues nunca llega a explotar, no al menos de la manera que a nosotros nos hubiera gustado.

7. Be my baby - ★

Subimos un poco el ritmo (pero no mucho) y llegamos a este Be my baby. Un medio tiempo que, de nuevo, no nos dice nada. Repetitivo, insulso, con una estructura un tanto rara que no acaba de cuajar, grititos de la Grande hacia el final y poco más. Next.

8. Break your heart right back feat. Childish Gambino - ★

Con una Ariana subida unos cuantos tonos de más, nos lanza este Break your heart right back que sinceramente, no sabemos de qué va. Es un medio tiempo con chasquidos así para darle un toque R'n'B sexy, pero luego aparecen guitarras que la transforman en una canción de Cody Simpson y finalmente aparece Childish Gambino para terminar de arreglarlo todo. Ariana se hace la picha un lío (aunque no tenga) con los estilos musicales y decide mezclarlos todos. Otro next.

9. Love me harder feat. The Weeknd - ★★★

Y no sabemos qué pensar de esta canción. Porque la intención de hacer algo más interesante que las dos últimas canciones está ahí, y no suena mal, hasta cambia a los raperos por The Weeknd (que es más como Usher o Drake), pero la canción tampoco se pasa. No maravilla, se deja escuchar, entretiene, recuerda un poco a Kylie Minogue, consigue que nos movamos un poco y ya.

10. Just a little bit of your heart - ★★

Interesante que se atreva con una balada a piano. Es quizás la canción más cortavenas del disco, y no porque sea mala, sino porque es la típica canción con la que uno se siente identificado cuando sufre de desamores. Como siempre en este tipo de temas, va de lo más sencillito hasta crecerse al final. Nunca será single pero para tenerla en la biblioteca musical puede estar bien.

11. Hands on me feat. A$AP Ferg - ★

Y nos quedamos con cara de "¿Qué?" cuando empezamos a escuchar este tema, y más después de venir de la balada anterior. Este tema quiere ser el tema sexy del disco, pero se queda en eso, en un intento. Ariana hace lo que puede con esta canción pero el tema huele. Sin estructura, ni orden ni concierto, Hands on me es de lo más olvidable.

12. My everything - ★★

Y finalmente, para acabar el disco la canción que le da nombre. Una balada cortita (no como el resto que se van todas a los 4 minutos). De nuevo, a piano, este My everything suena a canción de película Disney. Ojo, que eso no es malo, pero nos cuesta ver qué hace exactamente en este disco y qué función cumple. Un broche un tanto regular del que se agradece su perfecta duración y que hasta consigue ponernos un poco melancólicos.

DELUXE

13. Bang Bang - Sin valoración (pero si tuviera que darla ★★★)

Ariana, cariño, siento decirte que este tema es de Jessie J, no se lo robes a la pobre que anda falta de hits. Que sí, que sales tú y lo haces muy bien, pero oye, deja que los demás también saboreen la gloria.

14. Only 1 - ★★

Aunque su inicio parezca la típica canción que aparece en la radio cuando estamos jugando a Grand Theft Auto, lo cierto que este tema, aunque no destaca tampoco desagrada, se deja escuchar y hasta puede hacer pasar un buen rato.

15. You don't know me - ★

No voy a hacer muchos comentarios sobre esa base un tanto machachona para un medio tiempo, ni de lo descoordinada que parece Ariana en este tema. Por no hablar de que suena a todo lo que ya hemos escuchado durante el resto del disco. 

CONCLUSIÓN

El equipo de marketing de Ariana Grande sabe con quién juntarla y cuándo para hacernos creer que nos vamos a encontrar ante la nueva quintaesencia del pop. Sin embargo, nos encontramos un disco que en su primer tramo se nos hace disfrutable pero que baja enteros rápidamente. Precisamente, cuando más nos gusta es donde Ariana se atreve a experimentar y se deja los manidos gorgoritos a un lado, mientras que lo que parece que es su estilo no acaba de encajar realmente. Ariana, tienes futuro, pero te queda mucho camino por recorrer todavía.

NOTA FINAL: ★★ y 1/2

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Por todos es más o menos conocida Sia, la cantante australiana que hoy lanza nuevo álbum. Quizás os suene de ser la voz de los temas Titanium y She Wolf con David Guetta o por escribir canciones como Diamonds para Rihanna o Perfume para Britney Spears o directamente porque su primer single, Chandelier, para este nuevo disco está pisando fuerte en las listas de medio mundo.

Siendo ya el sexto álbum que presenta la australiana, es el primero que goza de gran popularidad y su trabajo tras cuatro años fuera de los focos y como no podía ser de otra manera, nos presenta un álbum trabajado, donde las piezas encajan y donde Sia demuestra que tiene mucho que decir en el mundo de la música con su propia voz. Hacemos un repaso canción a canción de este nuevo trabajo de Sia para hacernos idea de la calidad que derrocha:

1. Chandelier -  ★★★★★

Primer single y primer tema de todo el disco. Sia no es tonta y nos presenta de entrada la canción más fuerte de su nuevo trabajo. Una canción que, puede que no entre de primeras, pero que con el tiempo se posiciona como la más recordada del álbum por su fuerza y su potencia, siendo de las más expresivas de todo el álbum. La voz, en ocasiones rota, de Sia se siente real y es capaz de ponernos el vello de punta. Sin duda, memorable (y aún más con la pequeña Maddie Ziegler en el videoclip oficial).

2. Big Girls Cry - ★★★

Con un aire que recuerda a las canciones más serias de Beyoncé, Sia nos presenta Big Girls Cry, una balada de desamor potente que reafirma lo que ha demostrado con la primera canción del álbum. De nuevo, potente y muy real con un aire aún más melancólico. Una canción que no está hecha para ser recordada sino para ser vivida. Con un estribillo potente, Big Girls Cry deja un buen sabor de boca.

3. Burn the pages - ★★★

Una de las canciones más... raras del álbum. No podemos dejar de ver el estribillo de esta canción como uno de los mejores del álbum, completamente optimista y pegadizo. El problema viene con el resto de la canción, los puentes y estrofas parecen cantados a destiempo, con una Sia que se atropella, suponemos que aposta pero que deja una sensación de trabajo a medias en su primera escucha. Aún así, se posiciona entre las favoritas.

4. Eye of the needle - ★★★★

De nuevo, otra balada potentísima que se crece en el estribillo y que nos hace disfrutar de la música de Sia, que hasta ahora no aburre pero que mantiene un mismo estilo propio de la cantante australiana. Eye of the needle se posiciona como la balada del disco que nos quiere hacer llorar o al menos, recordar tiempos amargos con la peculiar voz de Sia y como una de las mejores odas al desamor de los últimos años.

5. Hostage - ★★

Con esta canción comienza el valle del disco, y es que cuatro canciones excelentes seguidas ya era demasiado. Sia intenta con Hostages huir de la melancolía que tan bien le sienta y presenta una canción más alegre y movida, que es un soplo de aire fresco totalmente necesario en el tracklist para no inducir al aburrimiento, pero que se queda coja con respecto a sus hermanas de álbum, presentando un tema más propio de Brandi Carlile que de la propia cantante. 

6. Straight for the knife - ★★

Y tras ese pequeño descanso, la cantante australiana nos devuelve a la melancolía pero esta vez mucho más cercana a una Lana del Rey. Quizás la canción más lenta del álbum y también de las más pesadas de escuchar. Aún así la calidad está patente pero sentimos que sigue sin alcanzar lo que consiguió con su inicio de álbum. 

7. Fair Game - ★

Y justo en el ecuador del álbum Sia deja el peor de tema de todos. Que no os engañen sus primeros acordes, el tema no llega a explotar nunca y se siente más un poema cantando que una canción. De esta forma, Fair game crea una escalera hasta alcanzar lo que debería ser el estribillo, pero en su lugar nos encontramos la absoluta nada. Sin duda, el rival más débil de todo el disco.

8. Elastic Heart - ★★★ 

Es posible que Elastic Heart os suene, y es que fue una de las canciones que componían la banda sonora de Los Juegos del Hambre: En Llamas. Nos encontramos con la canción que tiene el honor de tener la base musical más extraña del disco, sin embargo, Sia la transforma con su voz en todo un himno. Un estribillo bien medido combinado con las voces de The Weeknd y Diplo, que dejan una canción interesante y necesaria tras las decepciones de las tres anteriores canciones. Devuelve toda la confianza a la artistas australiana.

9. Free the animal - ★★

Un estribillo guerrero y una voz, por primera vez retocada electrónicamente, nos deja a una Sia que parece más bien Pink!. Sin embargo, y a pesar del acierto del estribillo, de nuevo nos presenta una canción que falla en todo lo demás, estrofas y puentes parecen cantadas a destiempo y no aportan nada nuevo. Una pena, porque el estribillo es fuerte y podría haber sido mejor tema.

10. Fire meet Gasoline - ★★★★★

No podemos evitar que esta canción nos recuerde un tanto a Halo de Beyoncé pero ¿y qué? Fire meet Gasoline se convierte en el resurgir del álbum con una canción casi redonda, estructura perfecta convirtiendo el tema en uno de los más memorables de todo el trabajo y que huele a futuro single (y hit) de este 1000 Forms of Fear, pues contiene la misma fuerza y potencia que Chandelier reconvertida en algo totalmente distinto. Espectacular.

11. Cellophane - ★

Con unos toques ¿western? Sia lanza este Cellophane que, de nuevo, no parece tener punto álgido, aunque esta vez se queda un poquito por encima de ese Fair Games que nos ha espantado. No es de las canciones más memorables del disco ni de las más escuchables, suena a balada de Azerbaiyán en Eurovisión, lo que es, sin duda, un pequeño gatillazo antes del gran final que nos tiene preparado.

12. Dressed in black - ★★★★

El tema de mayor duración, casi siete minutos. Pero qué siete minutos. Dressed in black es el petardazo final del disco de Sia, casi que donde más se luce vocalmente y un pequeño broche de oro para este disco. Con un tema diferente, lleno de fuerza que va creciendo con los minutos y que sorprende para bien.

CONCLUSIÓN

Sia se marca uno de los must a escuchar del año. Aunque no seamos fans de su personal estilo no podemos negar la calidad de las letras y la música que crea, resultando un gran soplo de aire fresco en el panorama musical. Uno de los mejores discos lanzados este año, con apenas unos pequeños fallos que no manchan esta pequeña joya. Sí solo Sia se tomara tan en serio la promoción del disco como lo ha hecho con su producción...

★★★★ - 4 de 5 estrellas

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