Ya estamos aquí. En plena semana eurovisiva en la que medio mundo (no heterosexual) se paraliza para disfrutar del show favorito de Europa, hacer europartys y porras de sus favoritos, The Jukepop no ha querido ser menos.
Desde nuestra redacción y con un artículo rodeado de comentarios irónicos y ácidos consideramos que afirmar que Armenia y Aram MP3 se llevarán el gato al agua y ganarán el Festival es demasiado mainstream y que las verdaderas ganadoras de Eurovisión son aquellas canciones que consiguen superar el paso de los años en nuestro iPod y nos llenan de alegría y de sentimientos melancólicos cada vez que escuchamos sus primeras notas.

Para nosotros, estas son nuestras preferidas para alzarse con la victoria:

1) Reino Unido: Molly - Children of the Universe

Después de varias ediciones mandando a estrellas del mundo de la canción (y a viejas glorias que intentaron reanimar sus carreras musicales como si no hubiese un mañana), el Reino Unido envía la cuasi-debutante Molly Smitten-Downes a cambiar su suerte en el Festival.

"Molly who?" fue lo que todos pensamos al anunciar el nombre de la representante de las islas británicas y es que, después de miles de rumores, retrasos, idas y venidas de los anglosajones esperábamos al menos a una de las mil componentes de las Sugababes o a alguna ex-Spice Girl como defensora de la bandera inglesa.

Excentricidades e ironías aparte, "Children of the Universe" es temazo. Con su rollo chochi-místico o de himno-indie y con un beat digno de la mismísima Lana del Rey, el miembro del Big 5 más maltratado de los últimos años podría encontrar en esta artista novel a su "salvadora" y llevarse la próxima edición del espectáculo a Londres.

2) Grecia: Freaky Fortune - Rise Up (Feat. Riskykidd)

Vale, estamos de acuerdo que la canción de Grecia no es nada que doce rumanas escotadas y ansiosas por un contrato discográfico no pudieran hacer, pero tiene gancho. En una edición del Festival dominado por las baladas soporíferas y los mid-tempos, "Rise Up" destaca y nos hará pegar más de un bote en nuestro salón mientras bailamos el "Lore Lore, Macu Macu" y nos servimos otro copazo. ¡Opa!

3) Polonia: Donatan y Cleo - My Slowianie (We Are Slavic)

Poseída quizás por el ritmo ragatanga, quizás por el espíritu que la descarada Svetlana Loboda, la candidatura polaca viene dispuesta a no dejar a nadie indiferente. Compuesta por un 80% de porno y un 20% de swag, "My Slowianie", cuya versión en inglés le da mil patadas, ya que ninguno de nosotros sabe polaco y nos corta el rollo no poder cantarla a viva voz en el salón de nuestra casa durante su semifinal, nos lo da todo. No sabéis lo que disfrutamos pensando lo que podría hacer Iggy Azalea con este tema entre sus manos.

4) España: Ruth Lorenzo - Dancing in the Rain

Por supuesto, si alguien merece estar en este top es nuestra querida Ruth Lorenzo. Sin duda, la cantante ha vuelto a devolver a los españoles la ilusión por Eurovisión. Su actitud de "Mesías eurovisiva" que tan bien defendió Soraya Arnelas en 2009 (hasta el momento de las votaciones), basada en un trabajo constante, profesionalidad, tablas, ganas y en la buena comunicación que la murciana ha mantenido con los fans nos ha traído un soplo de aire fresco. Tras el fiasco y la sensación de pasotismo que nos dejó a todos nuestra anterior representación en el show europeo de mano de El sueño de Morfeo, con "Dancing in the Rain" volvemos a preguntarnos ese: "¿Y si ganamos?".

5) Portugal: Suzy - Quero ser tua.

Portugal y el portugués están de moda. Después de que Cristiano Ronaldo y Kátia Aveiro, esta un poco más tarde, pero de manera más efectiva y a ritmo de RedOne, conquistaran nuestra patria, Suzy está dispuesta a darlo todo para ganarse nuestro corazón. Suzy quiere ser nuestra. ¿Hay una declaración de intenciones más incuestionable, indiscutible y evidente por la que la lusa deba ganar el festival? ¡Las hay! Y te las enumeramos a continuación:

• Por lo visto, gracias a Suzy, descubrimos que en Portugal también hay divas de tacón, rubias, salidas del "Caribe Mix" patrio dispuestas a hacernos mover el cu-cu a base de ritmos catchy y letras tontas y resultonas. ¡No todo iban a ser bigotudas cantantes de fado!
• "Quero ser tua" nos hace que nos libremos del fado que Portugal tiene pensado llevar a Eurovisión año sí y año también desde que se presentaron por primera vez (y eso es de agradecer).
• Suzy sabe hablar perfectamente inglés. Y... ¿Qué más da eso si la canción es en portugués?, te estarás preguntando. ¡Pues lo da, hacedme caso! Por lo visto, la rubia forma parte de esa raza de súperhembras de la península ibérica que decidieron irse de au-pair a Reino Unido para aprender el idioma y sacarse el B1 y eso la hace grande. Llevar una traductora gorda y con entrecejo detrás tuya todo el tiempo como si fueras una analfabeta de los países de la Europa del este ya no mola y menos si eres una diva de las de verdad. Esto, además de ser un plus, podría servir a la lusa a la hora de lanzar un álbum enfocado al mercado europeo.

¡Suzy, queremos ser tuyos!

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Why Five, formada por Fabio, Christian, Mark, Jorge y Alberto, es la boyband que formó el productor Carlos Jean, a través del programa televisivo “El Hormiguero”, tras realizar diversas audiciones por toda España. Tras 5 semanas de pruebas en prime time, la banda terminó formándose ante la mirada de, nada más y nada menos, los Backstreet Boys, que ejercieron su papel de padrinos en el último programa de castings.

Tras terminar una serie de conciertos por la geografía española, los Why Five presentaron su primer EP poco tiempo después de haberlo grabado. Este está formado por 4 canciones entre las que se encuentran sus dos primeros sencillos, “Going Up” y "Get Down"

Después de meses de intensos cambios, la banda tuvo su tiempo de paz y tranquilidad familiar en Navidad que no duraría mucho, pues pocas semanas después se ponían en marcha de nuevo: ensayos, grabaciones en estudio de nuevas canciones y preparación de lo que el pasado viernes el equipo de The Jukepop pudo presenciar: la primera firma de discos del grupo en toda su historia.

El evento comenzó a las 19:00h con los chicos interpretando dos temas en acústico a manos del guitarrista Kike Fuentes. Los chicos interpretaron “Going Up” y “Honey” demostrando las cualidades vocales que la restringente prueba de "El Hormiguero" no les permitió, y también dejando patente las leves desigualdades vocales existentes entre los miembros del quinteto.

A pesar de ello, todos estuvieron a la altura y ofrecieron un mini concierto (y tan mini, ¿por qué no cantaron las 4 canciones del EP?) muy entretenido, donde los arreglos de las canciones y sus interpretaciones dieron un giro radical a la propuesta que normalmente nos ofrece Y5. Un gran acierto.

El creador del grupo, Carlos Jean, disfrutó de sus chicos como el que más aplaudiendo y animándolos con una enorme sonrisa.

Más tarde, llegaría el momento esperado por todos los seguidores de Why Five. Los cinco integrantes de la boyband atendieron sorprendidos, cercanos y sonrientes a todas las fans (sí, como era de esperar las mujeres llenaron el recinto de la Fnac de Callao) ofreciendo todas las fotos que quisieran, dedicatorias y agradecimientos por todos los regalos que estas les hicieron. Así, casi dos horas después de que comenzara, recinto ya vacío, el grupo volvía a sus camerinos en agradecidos por todo el cariño recibido.

Te recordamos que ya puedes hacerte con el primer EP de Why Five en formato físico, en plataformas digitales, así como escucharlo de manera gratuita en Spotify.

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El miércoles pasado en la sala Shoko de Madrid, esponsorizado por Estrella Galicia (que siempre tiene muy buen tino para promocionar conciertos y artistas), fue el concierto de Austra, un grupo canadiense de electropop más bien suave, con melodías que se pegan muy rápido, y que dan muchas ganas de bailar. A mí, personalmente, su música me anima, pero también me ayuda a concentrarme, e incluso a ponerme off; es una ambigüedad de sensaciones que hasta hoy, solo me han transmitido M83 y Austra, así que un punto a favor para ellos.

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To flop: to be unsuccessful. Vaya, lo que es el fracasar. Trasladado al castellano, flopear, término utilizado con frecuencia y sin oficio por fans de la música popular. A veces el flop es cuantificable mediante ventas, otras veces sin más hay artistas que adquieren esta cualidad gracias a una sucesión de decisiones profesionales desacertadas. La carrera musical de la hermana de Kylie Minogue es un flop. La Oreja de Van Gogh post-Amaia Montero son un flop. Amaia Montero también lo es, como también lo son las carreras en solitario de los componentes de Take That que no se llamen Robbie Williams. En algunos casos el flop es merecido, bien sea por una retribución del karma, por justicia poética o porque simplemente el/la artista apesta. Otras veces sin embargo se da una confluencia de factores inexplicables que hacen que buenas canciones o cantantes interesantes no lleguen nunca a nada, o se queden eternamente en la fase de artista "que promete". Hoy queremos recordar algunos de esos cantantes a quienes la fama ha eludido - y/o sigue eludiendo - por mucho que ellos lo intenten. Ellas. En esta lista son todas mujeres. 

that's what she said

Katy B

Katy B es una británica de 24 años y graduada del famoso BRIT School, en el que también estudiaron Amy Winehouse, Leona Lewis, Adele y Jessie J. En 2011 fue finalista del premio Mercury de la BBC, que cada año escoge a los artistas que con más potencial para triunfar al año siguiente (y por tanto condiciona su éxito al incluirlos en el ranking). El estilo de Katy se mueve entre el dubstep, hip hop, drum and bass y dance, es decir, que no es pop. Y la verdad, teniendo en cuenta que no saca singles para el consumo masivo no le ha ido bastante mal, llegando incluso al número 5 en ventas con "Katy On A Mission", el primer single de su primer album, allá por el 2010. 

Katy es una artista alternativa por lo que no se espera el poder cuantificar su éxito mediante ventas, pero a diferencia de otras, como por ejemplo M.I.A o Lana Del Rey - que tampoco venden mucho, pero se las conoce mundialmente - Katy B sigue siendo conocida tan solo en Reino Unido y sigue teniendo un nicho de público - creemos - inmerecidamente pequeño, y por eso le damos la calificación de flop, aunque con matices, ya que el suyo parece un caso en el que el ser o no una flop no está enteramente en sus manos.

Florrie

Florrie es una cantante/compositora/productora prodigio que con 18 años ya formaba parte de Xenomania, el equipo de compositores punteros del pop británico. Es percusionista, toca el piano y la guitarra, produce música, hace remixes y también es modelo. De hecho es más probable que os suene por ser la chica que sale en el anuncio del perfume de Nina Ricci de todas las navidades que por su música, aunque la versión de Sunday Girl del anuncio también está cantada por ella. 

El caso de Florrie es particular ya fue elección suya la de autoproducir y publicar su música de forma independiente en lugar de fichar por una discográfica. Tres EP y una docena de remixes gratuitos después, Florrie estaba preparando su album debut el cual saldría en 2013, pero el año se está acabando y no parece que tal cosa vaya a ocurrir. Por su música no debería ser, ya que sus temas hasta ahora han sido mucho más que aceptables, con un estilo pop electrónico muy sofisticado e interesante, pero sus decisiones la han impregnado de esencia flopeadora. Si tuviésemos que sacarle un punto flaco probablemente sería su poca presencia escénica, pero eso nunca ha detenido a otras (¿verdad, Selena Gomez?). Lo cierto es que llegados a este punto ya no parece probable que Florrie vaya a hacerse un sitio en el mainstream. 

Sophie Ellis-Bextor 

Sophie es probablemente uno de los casos más notables de artista flop como concepto pero que continúa produciendo música. Su primer álbum en solitario, "Read My Lips" fue un éxito internacional, llegó a ser #2 en las listas de ventas de Reino Unido y al menos en España escuchamos su "Murder On The Dancefloor" hasta en la sopa, pero a partir de ahí todo fue cuesta abajo. A diferencia de Katy B, el estilo de SEB es electrónico pero comercial, y a lo largo de sus 13 años de carrera ha ido sacando singles, más o menos pegadizos pero que en general han pasado sin pena ni gloria por la colectividad melómana.

 Quizá el caso más evidente de que la esencia del flop es intrínseca a Sophie Ellis-Bextor se pudo ver con "Bittersweet", el primer single de su cuarto álbum, que tras ser remezclado por the Freemasons habría sido un bombazo si lo hubiese sacado cualquier otra persona, pero que con SEB se quedó en un pobre top 40. En este cuarto álbum además colaboraron además de los ya mencionados Freemasons gente como Van Buuren, Dimitri Tikovoi, Metronomy y Calvin Harris, pero ni así. El álbum recibió malas críticas y sus ventas fueron pobres. ¿Y qué decide hacer Sophie después de tamaño fracaso? Pues volver con una balada, decisión flop donde las haya.

Marina & The Diamonds

Marina Diamandis es la eterna promesa, la siempre newcomer, la que va a estallar por fin este año, ah no, el que viene, bueno, si eso ya en algún momento. Al igual que Katy B, Marina también fue finalista del Mercury Prize, quedando segunda por detrás de Ellie Goulding. A diferencia de ellas, Marina & The Diamonds ha experimentado con estilos musicales y estéticos: va desde lo más alternativo como puede ser "I Am A Robot", a lo dance con "Radioactive", a lo puramente pop como "Oh No!" o "Primadonna". 

Ella lleva el concepto del flop a una dimensión superior, es incluso capaz de flopear aunque su álbum debute en el número 1. En su caso, el flop no es comercial ni tampoco es musical, es conceptual. El álbum debuta #1 pero se cae de la lista a la semana siguiente, es incapaz de sacar singles de manera ordenada ni de hacer una correcta promoción de ninguno de ellos pero consigue hacer giras de éxito. No es fácil explicar cómo ni por qué es capaz de que medio mundo la considere una persona carente de éxito pese a que los datos objetivos a veces nos indiquen lo contrario, pero lo hace. Creemos que existe una posibilidad de que Marina y Sophie sean primas lejanas pero no podemos confirmarlo.

Nicola Roberts

En el caso de Nicola Roberts, el flop no la ha acompañado a lo largo de su carrera sino que pertenece a su faceta más reciente como artista en solitario. Para los que no la conozcan, Nicola se presentó a la versión británica de Popstars, entró en Girls Aloud y mantuvo una carrera de siete años de sólidos éxitos con el grupo. Sin embargo, a diferencia de su colega Cheryl Cole, su carrera en solitario se resume a un álbum, "Cinderella's Eyes", que le da tres patadas a toda la discografía de sus amigas Cheryl, Nadine y Kimberley, pero no cuajó. Tras una promoción algo experimental, el álbum no vendió lo esperado por la discográfica ni lo que realmente se merecía. 

Después de "Cinderella's Eyes", siguió "Styled to Rock", un programa de moda encabezado por Rihanna en el que participó Nicola como mentora y que no vio ni el tato. Y después, la breve vuelta de Girls Aloud, que tampoco salió especialmente rodada. Por si quedaba duda, Nicola triunfa como compositora, es decir, sus canciones son incluidas en los álbumes de otras personas, como por ejemplo Little Mix, pero no cuando las canta ella. La mayor prueba de que es ella en sí misma la que posee la cualidad del flopeo. 

Próximamente: 5 artistas que merecen ser un flop y no lo son. 

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Últimamente estamos acostumbrados a ver superproducción tras superproducción, pero el cine estadounidense no siempre estuvo plagado de películas de presupuesto multimillonario; algunos directores han tenido que sacar adelante su cinta con lo que otros consideran pura calderilla, y han podido decir con orgullo que su película es igual de buena o mejor que alguna de las que llenan las listas de “los films más caros de la historia”.

Las películas que figuran en esta lista han tenido más y menos éxito, han costado más y menos dinero, pero todas tienen algo en común: recaudaron mucho más de lo que gastaron, se hicieron un hueco entre los clásicos de Hollywood, y demostraron que no hay excusa para no hacer cine.

Clerks

Kevin Smith hizo lo que nadie haría en este país: pasar de las subvenciones y vender sus posesiones más preciadas (su colección de comics, para ser exactos) hasta alcanzar el imitado presupuesto de 20.000 dólares. Lo que le faltaba para alcanzar los 27.575 lo consiguió gastando sus ahorros para la universidad  y cobrando el seguro de un coche que él y Jason Mewes (Jay en la película) perdieron en una inundación.

Con tan poco dinero, Smith tuvo que apurar el rodaje al máximo y filmar por las noches en la misma tienda en la que trabajaba por las mañanas. El esfuerzo valió la pena y "Clerks" recaudó unos tres millones de dólares en los Estados Unidos, a pesar de haber sido exhibida en apenas 50 salas de cine. Kevin Smith demostró que filmar una película de culto con premio de Cannes incluido sólo cuesta fe, mucho sueño y un puñado de comics. 

El proyecto de la Bruja de Blair

Películas mucho más caras (y peores) se han hecho basándose en el found footage de "El proyecto de la bruja de Blair", pero a ninguna le ha salido tan bien como a esta película dirigida por dos estudiantes de cine con más ganas que dinero. Invirtieron poco más de 22.000 dólares, tardaron ocho días en rodarla y utilizaron tanto a actores como a gente del pueblo donde se situó la localización principal. Aunque los chicos eran estudiantes de cine, no comprendieron la importancia de seleccionar escenas y tardaron ocho meses en editar los 90 minutos que dura la cinta, ya que contaban con más de 19 horas de vídeo e improvisaciones.

El éxito llegó gracias al boca-oreja, una campaña publicitaria más costosa que la propia película y el hecho de que se vendió como un producto de no ficción. Daniel Myrick y Eduardo Sánchez vieron cómo su película llegaba a Sundance y se alzaba con el puesto de film más rentable de la historia, con una recaudación de 191 millones de euros.  

Paranormal Activity

Este es uno de los ejemplos que, basándose en el género found footage antes mencionado, consiguió una recaudación millonaria (193 millones). Oren Peli, que reconoce haberse inspirado en "El Proyecto de la Bruja de Blair" para su película, se gastó incluso menos que Myrick y Sánchez: 15.000 dólares. Mil se fueron en la paga de los dos actores, no se gastó un solo dólar en un equipo de rodaje porque de operador de cámara ya hacía un trípode y de muchos efectos especiales se encargó él. No sabemos en qué se gastó el resto, pero no fue en publicidad: Oren confió en el poder de las redes sociales para desarrollar la totalidad de su campaña.

El chico tuvo suerte, mucha suerte, y Paramount y el propio Spielberg decidieron involucrarse en el proyecto después de que la película llamara la atención en festivales de cine independiente. Por supuesto, añadieron su toque personal, y tomaron la decisión de cambiar el final original que había escrito el director. 

El Mariachi

Después de rodar Bedhead, Robert Rodriguez se dio cuenta de que podía ser el siguiente maestro de la serie B. Así, con 23 años y ni un céntimo en la cartera, decidió hacer de todo para conseguir su presupuesto de 9.000 dólares, desde servir como cobaya humana para una empresa farmacéutica hasta convencer a su amigo Carlos Gallardo (el Mariachi)  de que vendiera tierras. Probablemente así consiguió el hombre el papel protagonista, porque no tenía experiencia como actor, ni como cantante, ni como guitarrista. Armado con una cámara Arri tan vieja que apenas registraba sonido, y película Kodak de 16 mm, Rodríguez se dispuso a rodar las mínimas tomas posibles.

El sonido lo capturó con un micrófono y una cinta cassette, los travellings los hizo sentado en una silla de ruedas, y para el sonido de disparo utilizó petardos. El resultado no podría haber sido mejor: más de dos millones de recaudación y una llave de las puertas de Hollywood. 

 Por Amartrey

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                                     Al director de cine también le gusta Breaking Bad! Y sino mirad los pollos hermanos de su camiseta...

Álex de la Iglesia es un cachondo. Mental, claro, que suele ser en lo que al final más te fijas. Y si lo afirmo así no fue solo por la frase que soltó en mitad de la masterclass que impartió recientemente en el Instituto del Cine de Madrid, “Si estoy aquí no es para enseñar mi película, es para masturbarme con ella!”, sino también por la forma en que  expresó su cine, su trabajo, sus dificultades, sus referencias y el duro pero entusiasmante camino que supone rodar una película.

Rodeado de seis de los actores de reparto de su última película, “Las brujas de Zugarramurdi”, el reconocido director de cine español contó su experiencia tras las cámaras, con un tono mordaz, pero claro y sencillo, conversando con sus actores, respondiendo a las preguntas de los asistentes, y mostrándose mucho más abierto y natural de lo que, personalmente, había imaginado. El encuentro duró dos horas, y fue in crescendo, como si el grado de confianza, el feedback con el público, se hiciese más intenso conforme pasaban los minutos, como si se tratase de una de sus películas. Me llamó especialmente la atención un verbo que empleó, casi al principio, con el que buscaba referir la minuciosidad que todo realizador debería tener para hacer de su cine un arte, me gustó porque es tremendamente descriptivo; cercena las escenas, dijo, tened especial cuidado con los pequeños detalles, que a veces pueden llegar a estropearte un momento, a disuadir la atención del espectador y desviarla adónde no debería. Y realmente, cercenar la propia (ir)realidad ficticia que estás creando me pareció, cuando a posteriori pensé en la charla,  que es la clave, para que la obra sea verosímil, para que las ideas que contiene fluyan y lleguen íntegras al receptor, para que tenga una emoción, y también una conmoción, que motive y que sacuda de lleno. Y entonces, lo que has creado habrá conseguido su función.

Así, explicó en relación a esto, que, si bien el montaje es esencial para un director de cine cuando cuenta historias, con actores noveles se intensifica su utilidad, pues permite sacar el mejor partido a su trabajo. Pero en ningún caso tiene que usarse como un convencionalismo más, pues  entonces haría que se perdiese la originalidad de la película. Vinculado a esto, también habló de la improvisación, que hasta cierto punto, se tendría que consentir, pues una película es sinergia pura, y el punto de vista de los actores y la posible construcción, o interpretación paralela que hagan de un personaje, o de una situación, puede servir de mucho para darle un aporte de realidad y diversificación. Pero como todo, hay que encontrar el punto medio, pues a nadie le gusta que le digan cómo hacer bien su trabajo; sin embargo, el aporte de una cierta  capacidad de improvisación por parte del intérprete siempre va a darle a la obra una frescura, una chispilla característica, según palabras del propio Álex, ya que, como contó, por ejemplo en la obra del  gran Wilder este concepto se difumina un poco, ya que el director expresaba de forma muy concreta cómo tenían que hacer sus papeles los actores, algo que sin duda ha dado lugar a películas tan tremendas como Un, dos, tres! pero que están tan perfectamente hechas que te hacen darle vueltas a la idea del cine como realidad ficcionada sin ningún tapujo, todo por la verosimilitud. Y el cine también es naturalidad, no?

Habló de Las brujas de Zugarramurdi, de las ganas que tenía de hacer una película basada en el folclore, pues tiende siempre a ridiculizar lo que en un momento anterior fue sagrado, de los elementos mágicos de ésta, de rituales iniciáticos (se notaba que le apasionaba el tema!), de oráculos y sibilas, y del contraste, del bien y el mal que interaccionan en su obra, y de cómo el ser humano funciona así, valorizando siempre, emitiendo constantemente juicios, insanos y falsos la mayoría de veces, pero que le sirven para establecer criterios que , lamentablemente, dependen  muchas veces solo de nuestro punto de vista.

Los actores hablaron de su trayectoria vital y profesional, de lo qué les había enseñado la interpretación, y de cómo había sido trabajar con Álex. Todos coincidieron en que es un director exigente, pero abierto a debate que, según las propias palabras de Pepón Nieto -que me pareció tremendamente entrañable, humilde y sincero- , escudriña, siempre buscando lo mejor para el actor porque realmente le interesa.

De izq a der, otro actor español que desgraciadamente no consigo identificar, Enrique Villén, Jaime Ordoñez, Carolina Bang, sentada, Pepón Nieto y Secun de la Rosa.

Enrique Villén, otro habitual actor del panorama español, tomó la palabra cuando una de las asistentes al encuentro preguntó sin tapujos cómo había resultado la experiencia de trabajar con Mario Casas. El actor explicó que veía en Casas un tremendo potencial, y me sorprendió por lo inesperado del momento, que le admirasen sin miramientos, refiriéndose a su propia relación al actuar con él, al igual que el resto de los actores presentes en el acto, que también había estado encantados. Incluso, llegó a hablar de él como “el Bardem del futuro”. Y en este punto, Álex no pudo sino hablar de la seducción implícita que tiene, pero no solo como cara bonita, ya que Mario sabe exactamente dónde colocarse, dónde está la luz; sabe ver, sabe girarse, sabe muy bien dónde está la cámara (…) y al final, es fundamental, pues la seducción es un 50% del curro. Declaro exaltado su amor por Tony Curtis, por Cary Grant, al que es imposible no amar, pues le mola a todo el mundo, hasta a los castores (...) porque son galanes, de los que seducen de verdad, y de los que hace mucho que no tenemos uno en el cine . Y es que hay gente que tiene magia, confesó abiertamente, pero es que si además tiene capacidad constructiva (…) y la cabeza bien amueblada, (…) entonces está hecho.

Su conferencia fue muy amena, pero de gran interés y profundidad para todos los que, en algún momento, han anhelado estar del mismo lado de las cámaras que él. Por eso, fue especialmente conmovedor, y enormemente aplaudido, también he de decirlo, lo que, con la ilusión de un niño en un parque de atracciones, dijo Jaime Ordóñez, el actor que rápidamente identifiqué con el personaje que, en Aquí no hay quién viva, hacia de persistente vendedor con la capacidad de decir muchas cosas muy rápido;Resiste, resiste, resiste, porque el que resiste gana. Y no lo soltó sin más, como intentando quedar bien, pues confesó que había sido lo que su profesora de interpretación le había dicho cuando llegó a Madrid, y en lo que seguía creyendo por encima de todo. Y tenía razón, pues el cine, como finalmente concluyó Álex, no deja de ser un viaje interior, que, curiosamente, se refleja en el exterior (...) valora tu trabajo, esa creencia en ti mismo es la fuerza que te tendría que impulsar a seguir. Así que no nos queda más que aplicarnos el cuento, e intentar superar los obstáculos que aparezcan, como en su cine, en que, al fin y al cabo, los personajes siempre tienen que ir hacia delante y sobreponerse a las situaciones. Es bonito, pero también cierto.

El único momento en que pudimos acercarnos, al final del encuentro.

Por Laura Abellán

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Mr Lynch en pleno acto. 

Lynch ha vuelto a sorprenderme, y esta vez, para mi fascinación y sorpresa, lo ha hecho a lo grande, apelando directamente a los sentimientos. No más "silencio", ni metáforas, ni abstracciones impersonales acerca del bien, el mal, el miedo o el amor, no. Esta vez ha ido directo al grano.

La ponencia, el miércoles pasado, tuvo lugar en la Universidad Carlos III, y fue la única gratuita de todas las que ofreció en Madrid, dentro de la serie de eventos organizados por el Rizoma Film Festival. Más que ponencia, la de Lynch fue una ronda de preguntas, a las que el director, video-artista, y desde hace poco, también compositor, respondió de forma sincera y entrañable, en una comparecencia de apenas una hora de duración.

El encuentro tuvo como título Meditation. Creativity. Peace, lo que ya dejaba entrever  una gran profundidad psicológica. Parecía, al menos de primeras, que este argumento principal dejaría en un segundo plano todo el trasfondo de su obra audiovisual, y sin embargo, no fue así. Si bien la temática giró en torno a la consciencia, la felicidad y la autodeterminación, explicadas por el director de forma amena y ejemplificada, en todo momento tuvo la capacidad de integrar estos argumentos a los de su materia fílmica, contestando así a los estudiantes, cuyas preguntas fueron realmente el modus operandi del encuentro, y que se mostraron ávidos por descubrir la mirada más personal y cercana del artista.

La meditación trascendental fue el leit motiv del encuentro; los comentarios del propio artista se focalizaron en la explicación de esta nueva forma de meditación, por la que se empezó a sentir fascinado desde hace unos años, y que, en sus propias palabras, le ha cambiado la vida. Esta nueva forma de meditación y autoexploración  se enfoca a la búsqueda de la felicidad y el bienestar interno plenos a través de nuestra propia autoconsciencia. El proceso es sencillo, explicó Lynch, solo es necesario encontrar quince minutos en los que puedas ser capaz de cerrar los ojos, relajarte y pensar en  aquellas cosas en que no podrías pararte a pensar durante el ajetreo del resto del día, aprendiendo sobre ti mismo, sobre tus limitaciones, objetivos, ideas, consciencia y sobre tu propia intuición.

Entre pregunta y pregunta, el cineasta afirmó con convicción que, por lo que respecta a sus procesos creativos, la audiencia nunca le importa. De cualquier modo, habría que pensar si este modo de pensar es igual de contundente cuando lo pone en práctica, o si su peculiar forma de tratar la imagen y la psicología de los personajes  es tan trascendental para él como para supeditarlo al interés mediático.

Lynch, el artista surrealista contemporáneo por excelencia, uno de los más polifacéticos, extravagantes  y de mayor  proyección internacional de la actualidad,  habló también de que, siguiendo su propia lógica, el reflejo del sufrimiento, del tormento, del pesar, de la angustia, del miedo o de cualquier otro sentimiento negativo, no tendría que ser concebido para la creación de sus personajes como una cuestión personal por los actores que los representan, pues, “ no tiene que ser que de ese modo”. Así, nos recordó a todos los asistentes al encuentro que el cine es ficción, y que la integridad psíquica es absolutamente necesaria para abordar la construcción de entes ficticios, pero, al contrario de lo que diría Strasberg, del Actor´s Studio, el actor no tiene que meterse tan profundamente en la piel del ente de cine.

Su discurso fue motivador y muy trascendental, pero a la vez, conmovedor, pues supo transmitir su optimismo en todo momento, como cuando expresó su conformismo al declarar que debíamos “disfrutar del mundo / enjoy the world”. Y mientras lo hacía, su mirada lo transmitía todo, se le notaba feliz, con ganas de crear mucho, todavía, pero contento con su trayectoria y su recorrido vital y artístico personal. Y movía las manos, cómo las movía! Todo el tiempo estiraba los dedos, los juntaba, ponía en contacto sus pulgares, extendía el resto de las manos, y las cerraba después. Cuando después comenté con mis compañeros la charla, coincidimos en que había sido estupendo verle canalizar toda su energía en esos fluidos movimientos de las manos. Nunca había visto a nadie hacer algo parecido en plena ponencia.

Me resultó muy impresionante su tranquilidad al expresarse, su calma; antes de verle en directo me lo imaginaba como alguien tan impetuoso, con tanta fascinación y conocimientos por transmitir, que a duras penas se le podría entender, pues, muy en su línea, no quiso que hubiese traductor Así, su discurso fue al natural, sin intermediarios, buscando una conexión directa con el público, que al menos por mí parte, consiguió por completo.

Para concluir, me gustaría dejar por escrito una cosita más que me llegó al alma, que, además, me parece que sintetiza muy bien toda su actitud durante el encuentro. Es una afirmación que hizo referida al desarrollo de las ideas, y con la que buscaba transmitir la autodeterminación en uno mismo, que tienes que creértelo, y creerte, tú antes y más que nadie, pues solo así podrás sacarles el máximo provecho a tu capacidad.

“Soy un pintor de películas. Hay muchas ideas, de todos los ámbitos, para todos y cada uno, viniendo todo el tiempo. Si tienes una idea, si realmente te fascina, adelante. (…). Confía en tu creatividad. Confía en tí mismo. Hay mucho ahí fuera /

I’m a movie painter. There´s so many ideas, for all the ambits, for everyone, coming all the time. If you have an idea, if you love that, go on. (…) Trust your creativity. Trust yourself. So much is there.”

Un desconcertante regalo gráfico de Lynch, con el que explicó como podemos llegar a nuestro propio subconsciente a traves de la meditación y la reflexión.

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Para días en los que sufrimos como Geno Cheryl

Todos tenemos esos días en los que dedicamos buena parte de nuestro tiempo a sentir pena por nosotros mismos, ya sea con motivos o sin ellos. Es un hecho, podríamos levantarnos y hacer mil cosas para sacarnos la tontería de encima, pero no, preferimos tirarnos en el sofá y rodearnos de elementos cliché como helado y/o pizza, una manta, "Love Actually", un chandal, un gato, un móvil con Whatsapp para poder acusar a alguien de ignorar nuestro drama y Divinity en pleno maratón de Anatomía de Grey.

Cuando todo esto falla, o cuando el maratón de Divinity termina antes de lo pensado, recurrimos a Adele. Pero ya está bien, señores, de tanto "Someone Like You". He aquí una lista con diez temas para que nos acompañen en esos momentos de tontería, sí, pero sin hacer que nos queramos tirar por la ventana.

Wrecking Ball, de Miley Cyrus. Recapitulemos: La has cagado, no hay vuelta de hoja y necesitas castigarte un rato por ello. Miley te entiende y por ello te ofrece esta canción en la que te compara una y otra vez con una bola de demolición. Aquí no hay medias tintas, es flagelación emocional pura y dura. La cagaste y punto. Bonus tortura points si ves el vídeo.

Dancing On My Own, de Robyn. Pongámonos en situación: estás en un pub o en un bar, algo intoxicado/a, y empieza a sonar este tema de Robyn. Momento crucial, ya que te puede dar el bajón si te paras a pensar en la letra - al fin y al cabo es un poco melancólica - o te puede dar una alegría que ni a Lena Dunham en "Girls". Nosotros apostamos por ella como canción para subir el ánimo.

Winter Winds, de Mumford and Sons. Es para esos días en los que te apetecería vivir en una cabaña en el bosque o ir a dar paseos por el lago, todo muy español y probable. Es una canción algo triste pero al mismo tiempo la música tiene algo que hace que no queramos tirarnos al hipotético lago de cabeza, por lo que la consideramos crucial.

Landslide, de Fleetwood Mac. Siguiendo con la temática estacional, digamos que Landslide es una canción para escuchar en un sillón vintage al lado de nuestra chimenea en nuestra inexistente cabaña en el bosque, mientras vemos caer la nieve en las montañas a lo lejos. Nos debatimos entre seguir con el que a todas luces es el amor de nuestra vida o dejarlo, aunque eso implique tener que seguir trabajando con él durante 30 años en una banda de rock multimillonaria. Decisiones, decisiones.

All Eyes On You, de St. Lucia. Cambiamos bosque y lago por playa - en su defecto, paseo fluvial - y ropa de entretiempo. Es la canción perfecta para la morriña que nos embarga a finales de verano, la de los atardeceres de septiembre cuando reflexionamos un año más sobre lo que estamos haciendo con nuestras vidas.

Miro La Vida Pasar, de Fangoria. Quizá estemos haciendo la carrera equivocada, o tengamos un trabajo que no nos gusta. Ninguno de los coaches de "La Voz" se giró por nosotros, y nos tenemos que volver a casa. De cualquiera de las maneras, esta tema de los enormes Fangoria no nos ayuda a salir del pozo, nos hunde más. Por eso ha de consumirse en dosis pequeñas.

La discografía de Lana Del Rey, de Lana Del Rey. Si Adele es la reina del llanto, Lana Del Rey es la reina del hastío generalizado. Ella nos encanta, pero que vive asqueada con el mundo es un hecho, hasta cuando canta sobre cosas bonitas. Con ella al menos vemos nuestras penas a través de un filtro de Instagram, que como muchos fotógrafos amateur saben, hace que todo parezca mas cool.

Ni un segundo, de Malú. Que Malú es la reina del drama no lo decimos nosotros, es que lo es. Nos gusta "Ni un segundo" porque como siempre, está cabreada, y saca a relucir todo su arsenal de frases que luego usa como estado de Facebook para que sus amigas le pregunten qué le pasa. Pero al menos las cosas las ha hecho bien, ella lo sabe, nosotros lo sabemos, y ella sabe que lo sabemos.

Midnight City, de M83. Es una canción muy indecisa, de "jo, igual estoy depre como estoy contento y tanto me tiro a la cama con los cascos puestos como me voy de fiesta". No es machacona, por tanto no nos chirría cuando estamos tontitos, pero al mismo tiempo nos anima considerablemente. Es necesaria en toda persona que camine escuchando su iPod en otoño.

Viva Forever, de las Spice Girls. La canción estrella de la lista sin duda, porque combina varios elementos. Por un lado, la letra es triste, la música también lo es, y lo más importante, nos trae de vuelta a nuestra infancia/adolescencia, y a la década de los 90, que a todas luces fue mejor que la de los 2000. Además de cagarnos en la madre que parió a Geri por abandonar el grupo, probablemente soltemos alguna que otra lagrimilla antes de quitarla y poner "Wannabe", a partir de la cual se habrá terminado nuestro momento tontorrón. Y voilà, las Spice Girls habrán mejorado significativamente nuestro día.

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