La NBC, cadena en la que se emite la versión estadounidense del formato neerlandés, ha anunciado que Pharrell Williams, el compositor, productor y cantante de moda, será el nuevo "coach" de "The Voice".

Así, el cantante que recientemente ha lanzado su nuevo álbum de estudio, se sentará en la famosa silla giratoria y formará su equipo reemplazando al cantante Cee Lo Green, el que ha decidido abandonar el talent para poder centrarse en su carrera musical tras más de cuatro años sin lanzar nuevo trabajo discográfico.

La única girlband con la que contamos en la actualidad en nuestro país, Sweet California nos presenta la portada de las dos ediciones (estándar y fan) de "Break of Day", su primer álbum de estudio.

Las chicas están de enhorabuena ya que el tema "This Is The Life", producido por Tony Sánchez Ohlsson y Nemowave, logró debutar en el número 10 de las canciones más vendidas de nuestro país, siendo la segunda entrada más fuerte de su semana de lanzamiento.

 

La canción está llena de elementos que la convierten en un cocktail explosivo. Con ciertas reminiscencias a "Now That I Found You", incluido en el último disco de Britney Spears, "Timber", la colaboración entre Pitbull y Ke$ha, número 1 en todo el mundo, y "Hey Brother" de Avicii, Alba, Rocío y Sonia nos transportan hacia aquella época en la que la fiebre del oro estaba aún latente y la gente lo daba todo en bares de mala muerte con sus botas de cowboy.

Si has disfrutado de las portadas y estás deseando escuchar el disco al completo, podrás encontrar en tiendas "Break of Day", el LP debut del grupo, publicado y editado por Warner Music Spain, el próximo día 15 de abril tanto en digital como en formato físico.

"Frozen: el Reino del hielo" se ha convertido en la película de animación más taquillera de la historia con más de mil millones de dólares recaudados en taquilla, superando a "Toy Story 3", que hasta ahora ostentaba el puesto. Además, la cinta consiguió dos premios Oscar este año: mejor película de animación (el primero para Disney) y mejor canción original ("Let It Go"). 

Inspirada en el cuento de Christian Andersen "La Reina de las Nieves", "Frozen: el Reino del hielo" es una comedia de aventuras en la que la protagonista, Anna, se une a Kristoff y Sven para encontrar a Elsa, la reina de Arendel, y salvar al reino del desastre. El film, que ha revitalizado la imagen de Disney, presenta a una nueva categoría de películas de princesas en las que el final no es sellado con el clásico "vivieron felices y comieron perdices".

A partir de hoy y hasta el 2 de abril, la Fiesta del Cine permitirá a los españoles ver películas de cartelera a 2,90 euros. El 99 por ciento de las salas de España se han unido a esta iniciativa con el objetivo de fomentar la asistencia del público al cine. 

Como en anteriores ediciones, los que quieran disfrutar de esta oferta tendrán que llevar su acreditación a la sala, pero como novedad esta vez podrán evitar las colas al comprar las entradas a través de Internet o de los cajeros que hay en los propios cines. 

Ya está aquí lo nuevo de Rita Ora, "I Will Never Let You Down", el primer single del siempre difícil segundo disco. Como se había anunciado, ha sido producido por su novio Calvin Harris, cuya mano se nota especialmente en el estribillo, con uno de esos subidones marca de la casa. Si a eso le sumamos su apuesta por el pop pegadizo, probablemente se convierta en un éxito para Rita en Reino Unido.

El estreno ha ido acompañado del vídeo, en el que la cantante interpreta el tema a cámara en escenas en blanco y negro y otras muy coloridas junto a dos bailarinas.

"I Will Never Let You Down" se pondrá a la venta en Reino Unido el 11 de mayo. Es el primer anticipo de un álbum que llegará a finales de año.

El Canal Historia anunció la semana pasada que la serie "Vikingos" será renovada para una tercera temporada de diez episodios. La serie está protagonizada por Travis Fimmel en el papel de Ragnar Lothbrok, un guerrero curioso y navegante que deja Escandinavia para explorar las tierras de Northumbria, Francia y Bretaña. 

La producción de esta tercera temporada comenzará en verano para estrenarse el año que viene, y contará con el reparto original más las nuevas incorporaciones de la segunda temporada, además del guión del creador de la serie, Michael Hirst. 

Más de seis meses han pasado desde que Edurne anunciara que "Painkiller" iba a ser su nuevo sencillo. Cuatro meses hace desde que la madrileña subiera a su cuenta oficial de YouTube un "lyric video" del mismo, haciéndonos creer que el vídeo oficial debía estar al caer. Hoy, 3 trimestres después de que "Pretty Boy", el sencillo de presentación de "Climax", fuese dado a conocer, la madrileña lanza por fin el vídeo de su nuevo corte promocional.

La flamante ganadora de la tercera edición de "Tu cara me suena" se toma las cosas con calma y nos deleita con un vídeo rockero, de corte tétrico, lleno de cuero y referencias al sadomasoquismo, en el que se pone en la piel de una domina. ¿Quién dijo que Edurne era una niña buena?

La Warner está buscando nuevas franquicias que explotar en los próximos años, y el spin-off de Harry Potter, "Animales fantásticos y dónde encontrarlos", será uno de los proyectos cinematográficos que se repartirán en varias entregas. 

La historia de la película se desarrollará en Nueva York, setenta años antes del nacimiento de Harry Potter, y tendrá como protagonista a Newt Scamander, el magizoólogo que escribe la guía de clasificación de animales mágicos que Harry y sus amigos estudian en Hogwarts. 

El presidente de la Warner, Kevin Tsujihara, explicó en una entrevista concedida al New York Times que la historia de Newt se dividirá en tres "megapelículas", y que el guión de la primera lo está escribiendo la propia Rowling, quien escribió la novela en el 2001 junto a "Quidditch a través de los tiempos" para destinar los beneficios (17 millones de libras) a la asociación Comic Relief. 

Como el proyecto todavía está en su etapa inicial, no existe un póster oficial, pero ya circulan por la red varias ilustraciones fan art de HogwartSite, un usuario de Deviant Art. 

Tras su fracaso eurovisivo el pasado año en Mälmo, el proyecto Cascada vuelve a la escena musical con su nuevo sencillo.

Después de lanzar un disco con versiones acústicas de sus mejores temas, cuyo primer sencillo fue una versión acústica de "You" del sueco Robin Stjernberg, Natalie Horler, la voz de Cascada vuelve al sonido electrónico de sus últimos sencillos y nos presenta "Blink", una versión del tema del dúo inglés U.V.U.K..

El tema, que formará parte del quinto trabajo discográfico de los alemanes, cuenta con una base perfecta y un ritmo catchy y fácil de escuchar llega para arrasar en pistas de baile de todo el mundo. ¿Lo conseguirá?

Todos los sueños se cumplen (o quizás no).

Ayer por fin, "Dreamland", la eterna serie promocionada por el grupo Mediaset llegaba a nuestras pantallas de la mano de Cuatro como un intento de revivir la pasión por la música, el baile y el fenómeno adolescente a un prime-time español donde las series de este corte son imposibles de encontrar y más si hablamos de producción propia.

"Dreamland" es algo novedoso en nuestro país. Mientras que los norteamericanos llevan años disfrutando de proyectos ("Hellcats", "High School Musical", "Glee") donde la música y el baile son esenciales en la trama, y en América Latina no pueden parar de ver en grupos musicales y sus coreografías una mina de oro para el público teen ("Rebelde", "Violetta", "Casi Ángeles", "Floricienta"), en nuestro país este género tan aclamado internacionalmente ha sido vejado y devaluado por los espectadores desde que "Un paso adelante" terminase.

Seamos claros, "Dreamland" no aporta nada nuevo al sector audiovisual, ni tampoco innova, pero sí aporta algo que hoy en día no tiene su hueco en la televisión nacional: la música, el baile y un proyecto-cantera donde se apueste por nuevos y jóvenes talentos que buscan una oportunidad en nuestra nación.

Ver los grandes musicales de la Gran Vía madrileña y los programas de televisión con un ballet conformado por los mejores participantes de los talent-shows y series musicales de nuestro país es inevitable. Las ficciones o realities han abierto las puertas del éxito a unos jóvenes a los que difícilmente se les da tiempo para brillar.

Con una banda sonora creada por los propios protagonistas de la serie creada por Frank Ariza, que ya tiene un contrato discográfico con Sony Music, y unos números de baile espectaculares y dignos de una producción de factura internacional, "Dreamland" es visualmente perfecta. Vale, quizás no perfecta, pero sí digna de alabar. Pese a que su fotografía es cuidada, la realización no da todo lo que podría dar de sí, lo que se puede contrastar por la ausencia de planos abiertos y generales que deslucen las coreografías y las escenas, quizás motivados por el enorme presupuesto que supondría al proyecto. Tampoco es baile todo lo que reluce y el guión, que según supimos anoche fueron ideados por el propio elenco de la serie, es bastante pobre y desluce el talento artístico y la calidad interpretativa del casi-preparadísimo cast que protagoniza el serial. Los fallos de dicción, los topicazos y situaciones vistas en la mayoría de ficciones de este corte que hemos tenido el placer de ver en nuestro país tampoco ayudan al despegue y consolidación de la misma como algo digno de recordar.

Tendremos que esperar y ver si Mediaset sigue apoyando el proyecto después de la fría acogida, recibida en forma de audiencias, en parte, merecidas por su poca confianza depositada en el producto al haber sido estrenado un día tan poco dedicado al target que podría tener el serial.

Personalmente, creo que todos le debemos a "Dreamland" un voto de confianza por lo valiente y arriesgado de la propuesta. No es fácil hacer algo como esto en nuestro país, a la vista las mediocres producciones de de creación propia ("HKM", "18, la serie") que hemos tenido que sufrir en carnes propias hasta la llegada de este posible "mesías" del género. La serie musical me parece, sin duda, un paso adelante para el reconocimiento y potenciación de estos formatos. Yo pienso seguir creyendo que los sueños se cumplen y seguir apoyando el proyecto a capa y espada. ¿Y tú?

Valiente despropósito

No dudo ni un momento en que la televisión española de los últimos años se ha vuelto valiente, no le importa arriesgar. Unas veces sale bien y otras veces sale Dreamland. Cuatro (y el grupo Mediaset) lanzaron esta serie musical como la gran apuesta de la temporada, pero algo me dice que si los directivos han puesto en la parrilla este esperpento es porque ya habían invertido demasiado como para poder desechar el proyecto. Y tras ver el piloto, no es para menos.

Sin juzgar las actuaciones (que ya habrá palabras más adelante para eso), el inicio de Dreamland me gustó. Se presentaba en sus primeros minutos como serie enérgica, fuerte, divertida y con un toque diferente. Sin embargo, es un inicio que no corresponde con la realidad ya que la serie, tras la cabecera, se desinfla como un globo minuto a minuto, escena a escena. Pasa de ser un revival de Fama o la más cañí Un paso adelante a un reversión de Mentiras y Gordas sin gracia, coherencia o identidad y con la misma falta de calidad. Mal escrita, llena de clichés e historias mil veces contadas y con personajes que no llegan a cuajar en el espectador, hacen de Dreamland una broma. ¿O acaso tras el episodio de ayer a alguien le importa lo que le pueda pasar a Moisés y cia?

Y es que parece que todo el presupuesto de Dreamland se ha ido en dos cosas: la promoción y en lo técnico. Es precisamente en esto último donde destaca, con una fotografía interesante y mucho más cuidada que en otras series para el público juvenil, donde siempre se opta por ir a lo barato. Quizás, sobre alguna máquina de humo (en serio, algún bailarín va a acabar ahogándose), pero por lo general las transiciones, la estética y los planos están cuidados. Aunque todo hay que decirlo, el esfuerzo en el plano visual también parecía desinflarse con el resto del capítulo, resultando muy interesante al principio hasta llegar a un nivel menos cuidado al final.

A pesar de ello, no es raro que los números musicales nos resulten una delicia visual. Con recursos un tanto vistos en películas de este estilo (Step Up), siguen siendo igualmente efectivos, con el añadido de que los temas son completamente originales, unos mejores que otros pero siempre entretenidos y muy optimistas.

Optimismo que se nos quita de cuajo al ver como en la siguiente escena, el talento interpretativo escasea. El nivel es por lo general bajísimo, incluyendo a una Natalia Millán que ha decidido no esforzarse y a unos protagonistas entre los que falta química y cuyas dotes interpretativas llevan a pensar que sus personajes tienen un encefalograma plano.

En conclusión, Dreamland podría haber sido mucho más y tiempo han tenido. Pero el proyecto no solo cojea, sino que hace aguas por todas partes. Y es una pena, porque se necesitaba y se echaba de menos algo así en la televisión española, pues no lo veíamos desde la desaparición de HKM protagonizada por Sara Da Pin Up hace ya 6 años o 18 en Antena 3 (ambas con más calidad aunque sin pasarse). Lo siento Dreamland, pero eres el rival más débil.

A pesar del controvertido videoclip para Adore You, el tercer single de Bangerz, en el que la cantante se masturbaba, la canción no ha conseguido el impresionante éxito que tuvieron los dos cortes anteriores de su disco. La culpa es enteramente de la canción, escogiendo una de las canciones más mediocres de un disco ya de por sí falto buen contenido.

Intentando solventar el desastre, el próximo single será 4x4, una canción de aires country con la colaboración del rapero Nelly. Con este movimiento Cyrus quiere volver a meter a América en su bolsillo, aunque no parece haber pensando en que seguramente el resto del mundo vuelva a ignorarla. 

¿Le otorgará su discográfica un nuevo videoclip o canciones con mayor potencial comercial como FU se quedarán como fondo de disco?

Michael Bay ha querido llevar a la gran pantalla a las Tortugas Ninja. El director de "Transformers" ha producido la nueva película, de título "Teenage Mutant Ninja Turtles", basada en los famosos personajes de cómic creados por Peter Laird y Kevin Eastman.

Megan Fox lidera el reparto de este film en el que también aparecen Whoopi Goldberg y William Fichtner. Alan Ritchson, Noel Fisher, Jeremy Howard y Pete Ploszek son, de alguna forma, las tortugas, ya que les han dado vida mediante la técnica de la captura de movimiento.

Jonathan Liebesman, director de "Invasión a la Tierra" e "Ira de titanes", se ha encargado de la puesta en escena de esta "Teenage Mutant Ninja Turtles" que se estrenará en España el 29 de agosto.

Como era de esperar, la cantante Edurne se hace con la victoria de la tercera edición de "Tu cara me suena", el concurso de imitadores de Antena 3.

Hemos podido ver y disfrutar de la madrileña caracterizada e imitando a muchísimas y dificultosas estrellas de la canción del panorama nacional e internacional, como Beyoncé, P!nk y la mismísima Carmen Sevilla. Ataviada como Christina Aguilera y poniendo voz a su balada "Hurt", la finalista de la cuarta edición de "Operación Triunfo" se llevó el gato al agua en una gala plagada de emociones.

El programa producido por Gestmusic realizaba anoche su final en directo con unos finalistas de excepción: los cantantes Melody y Xuso Jones, segunda y tercer clasificado respectivamente, la actriz Llum Barrera, la que quedó en cuarto lugar, y Florentino Fernández que acabó en quinto puesto.

Esta edición de "Tu cara me suena" ha logrado marcar datos de audiencia tan buenos como las anteriores entregas, lo que nos asegura una cuarta edición del formato más importado al extranjero y de más éxito de los últimos años de la televisión española.

Lose your mind. Así rezaba el tagline elegido por MTV para promocionar la segunda parte de la tercera temporada de Teen Wolf, la serie adolescente que ha conseguido superar las dudas iniciales y llegar a ser una de las producciones televisivas con mayor número de fans y la serie de producción propia más vista del canal "musical". Y sí, nos ha hecho perder la cabeza como espectadores en la mitad de una temporada que ha conseguido que olvidemos la chapuza creada en su primera parte. Adentrémonos en el mundo de los hombres lobos adolescentes.

Redención

La serie de MTV siempre ha sido un tanto irregular, tras una primera temporada insulsa se nos presentó una segunda temporada que nos mantuvo pegados a la pantalla durante sus doce episodios. Las expectativas fueron muy altas con el inicio de la tercera temporada, el eslogan This Might Hurt y la adición de elementos de la mitología celta podían haber firmado la mejor temporada de la serie pero el resultado fue peor de lo esperado, con situaciones que no llevaban a ninguna parte, un enemigo basado en clichés y que no imponía lo suficiente. A pesar de ello, algunos detalles de brillantez (como los centrados en el personaje de Lydia interpretado por Holland Roden) se percibían en el ambiente preparando lo que iba a ser la segunda parte de la tercera temporada, o más bien, lo que debería haber sido la temporada completa.

Comenzamos con los protagonistas de la serie en sus momentos más bajos, al borde de la locura colectiva, firmando quizás una de las mejores escenas de toda la serie en el inicio de esta tanda de episodios. La locura dura poco, lo que nos hace temer que podamos perder el interés de nuevo, pero Jeff Davis, el showrunner de la serie había aprendido la lección y no nos iba a dejar que nos despegásemos de la pantalla de nuevo.

Centrada esta vez en la mitología japonesa la temporada está llena de giros inesperados que nos hacen vivir una trepidante aventura, un tira y afloja continuo entre los buenos y el malo en un enfrentamiento pensado hasta la médula y que representa una gran partida de ajedrez, o como veremos durante la temporada, de go.

Parte del interés generado en este segundo volumen de la tercera temporada no es otro que gracias al personaje de Dylan O'Brien (El corredor del laberinto, Los Becarios), que pasa a tener un papel (aún más) protagonista convirtiéndose en el malo de la función haciendo que el actor tuviera que lidiar con un papel bipolar que se nota que disfruta y borda como pocos actores jóvenes pueden hacer, comiéndose la pantalla en cada escena. 

Junto a él, y conforme nos acercamos al final de la temporada, vemos que por fin la serie no tiene miedo de ser ella misma y mezclar el humor que tan bien le funcionó en la segunda temporada con la oscuridad más extrema, haciendo que todo sea posible. TODO. Y de hecho, y sin entrar en mayores spoilers, no será difícil que gracias a Crystal Reed o los gemelos Carver soltemos alguna lágrima en los dos últimos capítulos, donde Davis se corona como guionista y nos presenta dos situaciones impensables para los fans de la serie.

Tortura

Sin embargo, y como siempre pasa en cualquier serie, no es perfecta. Con la inclusión de la mitología japonesa, los guionistas aprovechan para introducir a varios personajes, destacando el interpretado por Arden Cho. Pero no consiguen ni de lejos el efecto deseado en el espectador, haciendo que a éste le resulte indiferente e incluso la llegue a odiar, pues crea más problemas de los que soluciona y no juega ningún papel importante finalmente en la trama, resultando un mero entretenimiento para explicar algunos detalles de la mitología en la que se ha centrado la tanda de episodios. 

De la misma manera ocurre con la madre de éste personaje, que acaba teniendo relevancia pero que a nadie le importa. De hecho, gracias a ella, se firma con diferencia el PEOR episodio de toda la serie (el 3x21), aburrido hasta la médula, soso, insoportable, con un drama sacado de la manga que hace que el espectador esté más atento de lo que le queda al capítulo que del capítulo en sí.

Junto a ello hay que destacar que, a pesar de ser una serie fuertemente serializada (es decir, si te pierdes un episodio seguramente no te enteres de lo que pase en el siguiente), muchas escenas no quedan claras o hacen referencias a personaje que rara vez han tenido importancia más allá de ser nombrados haciendo que el espectador se pregunte quién es esa persona. En la sala de montaje lo saben y lo intentan solucionar con flashbacks, pero al ser tan breves hacen que el espectador quede igualmente confuso.

Conclusión

Junto a la leve mejora a nivel técnico (seamos sinceros, los efectos especiales siguen estando sacados de una película de los 80 y dependen más de trucos de montaje que de efectos en sí), nos encontramos ante una serie que ha sabido madurar, no sólo ella en sí misma, sino a sus personajes y sus situaciones, convirtiéndose por momentos en un thriller sobrenatural que deja ser entretenido para ser viciante. Disfrutable en todos los sentidos (incluso en el musical donde se marca un banda sonora pop y electrónica bastante impresionante, y en el visual donde destaca el capítulo centrado en una fiesta de neón), la serie deja con un magnífico sabor de boca que esperemos no nos quite de sopetón de nuevo una cuarta temporada que ya tiene como fecha de estreno el 23 de Junio de este mismo año.

Kylie Minogue es una de las cantantes más importantes de la historia pop contemporánea. Con una carrera de más de 20 años a sus espaldas y habiendo pasado por un sinfín de estilos, la mujer bajita más querida envejece mejor que Madonna - la artista con la que es más comparable, por estilo y trayectoria - y su música también. Mientras que Madonna sacó el enorme "Confessions On A Dance Floor" allá por 2005 y desde esas parece que no remonta ("Hard Candy" es un cristo terrible y "MDNA" un poco meh), Kylie parece no tocar fondo definitivo todavía. Prueba de ello es su último álbum, "Kiss Me Once", que si bien nos deja un poco fríos después de la maravilla que fue y es "Aphrodite" no es tan "menos bueno" como parecía a la primera escucha.

   

"Kiss Me Once" no es un sobresaliente pero tampoco es un aprobado sin más. Se compone de temas que sin rechinar demasiado tampoco maravillan, temas buenos, un tema maravilloso y uno terrible.  Y por ese orden lo vamos a analizar. 

Canciones notables (***)

En esta categoría: Sexy Love, If Only, Les Sex, Kiss Me Once, Feels So Good. 

El concepto de relleno se hizo con estas canciones en mente. Son temas que al escuchar el album no molestan pero tampoco aportan nada necesario. Dentro de estas las hay mejores ("Kiss Me Once") y peores ("If Only"), pero en general son planos, sin melodías especialmente reconocibles o atractivas. Quizá destacaría "Feels So Good" por su producción y por recordar al sonido de "Aphrodite". El problema es que en este album el relleno y lo notable está representado a partes iguales, cuando siempre debería sobresalir lo notable. 

Canciones notable alto (****)

En esta categoría:  Into The Blue, Million Miles, I Was Gonna Cancel, Sexercise

Cualquiera de los cuatro temas incluidos en esta categoría podría ser single, tanto que de hecho dos ya lo son. Tras "Into The Blue" le sigue "Sexercise", un tema radicalmente diferente al primero y con aires dub step. "Million Miles" es de lo más frenético del disco y I Was Gonna Cancel tiene tintes ochenteros muy pegadizos. 

Canción sobresaliente (*****)

En esta categoría: Fine

Se dice que después del tercer álbum lo único que se le puede pedir a un artista es que en álbumes sucesivos aporte al menos un buen single o un buen tema al que incluir en una supuesta lista de "Lo Mejor De". Y en el caso de "Kiss Me Once", ese tema es "Fine", el único realmente sobresaliente de todo el disco, pero cómo sobresale. Siguiendo la línea electrónica del resto del álbum nos recuerda a la Kylie más en forma. Es el tema que cierra este último trabajo de la australiana y tras terminarse casi consigue revalorizarlo por completo. 

Premio Especial Ojalá No Existieses

En esta categoría: Beautiful (feat. Enrique Iglesias)

No se sabe muy bien qué ocurre exactamente con esta canción, pero es terrible. Destaca por serlo y se convierte en la nota discordante que nos hace mover el dedo para saltárnosla y pasar a la siguiente. Inexplicablemente también ha sido incluida en el álbum de Enrique, como si existiese una realidad paralela en la que es merecedora de ser publicada dos veces. En cualquier caso, es sin duda el detalle negativo de un disco sin grandes sorpresas, para bien o para mal.


Por esto, la puntuación que merece "Kiss Me Once" es:

7/10

2046 - Wong Kar-Wai

Si hay algo que caracteriza al cine de Wong Kar–Wai es su conciencia del tiempo trasladada a la pantalla tanto a nivel técnico como argumental.

En Chung King Express cuenta las horas exactas en las que el amor nace y muere entre los personajes. Y los intertítulos de contextualización temporal y espacial son un común denominador a todas sus películas.

2046 es en sí una expresión temporal a pesar de encerrar varios significados:

• o   La habitación que compartían el Sr. Chow y la Sra. Chan en In the Mood For Love      mientras escribían los relatos de artes marciales.
• o   El lugar del crimen de amor pasional que acaba con la vida de Lulú (Carina Lau)
• o   El título del libro de ciencia ficción que escribe Chow así como el año del futuro al que viajan aquellos que quieren revivir recuerdos perdidos.
• o   El año en que finaliza la promesa de 5 años sin cambios de China a Hong Kong tras ser devuelta por el Reino unido en 1997.

Excepto que 2046 no es un año, ni un espacio físico, sino que es un estado mental y psicológico universal que se corresponde con la etapa de melancolía que llega tras la pérdida del ser amado.

Esa ficción futurista a la que lleva ese tren salido de la imaginación de Chow no es sino el refugio de su nostalgia; ese impasse en el que el tiempo torna su significado en tortura por la ausencia del amor que se ha ido y el miedo al que está por llegar. En esta historia WKW vuelve a contagiarnos de esa conciencia del paso del tiempo que acompaña a todo momento de dolor. Todo es pausado y eterno en su cine por ese deseo de estirar el momento del placer y la imposibilidad de poder pulsar el botón de fast forward  en los interminables momentos de dolor. Por esa razón unos tardan más que otros en volver de ese viaje. La mayoría no regresan jamás de ese pozo sin retorno que es el desamor.

El tren que lleva a los pasajeros al 2046, el lugar en el que nada cambia nunca es una analogía de ese período de luto, por así decirlo, en el que el tiempo de nuestras vidas parece detenerse en un recuerdo que no nos permite avanzar. El hecho de que Chow se obsesione con el número 2046, que está relacionado con su antiguo amor, es un reflejo de ese empeño por encontrar señales inexistentes o excusas que justifiquen y mantengan la esperanza de volver a él.

2046  trata de la respuesta emocional de Chow Mo-Wan (Tony Leung Chiu-Wai) al estímulo planteado en su predecesora In the Mood For Love donde pierde el amor de Su Lizhen (Maggie Cheung Man-yuk) La transformación del protagonista es notable con respecto a la anterior película ya que su relación con el sexo femenino se caracteriza esta vez por el despecho. Las mujeres de su vida anterior le han hecho daño de una forma u otra por lo que ahora no está dispuesto a “venderse al por mayor, tan sólo al por menor”.

No se deja llevar por la autocompasión como Qiwu en Chungking Express o por la resignación  como en Deseando Amar. Chow experimenta el utilitarismo insensible del amor en el que tendemos a caer tras una mala experiencia en una relación. Si en In the Mood For Love no existe consumación del acto sexual en 2046 el erotismo se muestra frecuente y explícito. Es casi como si se estuviera resarciendo pero sin lograr conciliar ambos aspectos: sólo sexo sin amor (Bai Ling) o amor sin sexo (Wang Jing Wen).

Con Bai Ling (Zhang Ziyi) hubiera podido tener amor pero no le corresponde y la rechaza en reiteradas ocasiones tras una relación puramente física. Deja marchar a Wang Jing Wen (Faye Wong) con su japonés en una mezcla entre generosidad y cobardía ante la posibilidad de otro intento fallido en su haber amoroso. El anteriormente abnegado esposo y devoto amante Sr. Chow es ahora un alma errante que no logra deshacerse de su pasado.

El peligro de vivir de los recuerdos se manifiesta en esta actitud anquilosada del Sr. Chan y en la distorsión que provoca en los mismos la memoria imperfecta y la necesidad de entender por qué ella no se marchó con él cuando se lo pidió.

Pero no sólo el tiempo es importante para WKW sino  también el espacio. Con frecuencia sus relatos tienen lugar en interiores claustrofóbicos con planos muy cerrados e íntimos. En 2046 rara vez sale la cámara al exterior salvo las escenas nocturnas en las calles chinas en las que dos amantes mantienen una conversación entre la penumbra y bajo la tenue luz de una farola. Abundan los planos muy estáticos y prolongados: el tiempo pasa lento cuando se está a la espera o se sufre.

Y siempre de noche, como criaturas nocturnas que no logran descansar por el dolor en sus vidas. En la oscuridad de la noche cualquier cosa puede pasar: desde infidelidades, fiestas, juegos de azar y por supuesto el insomnio.

Los personajes del mundo de Wong siempre sufren por otras personas que están fuera de campo, por personajes anónimos o de los que sabemos poco. Como el Qiwu, el joven policía de Chungking Express, obsesionado con su ex pareja May y el agente 663 primero con su azafata de vuelo y luego con la enigmática Faye. Su Lizhen apenas aparece a lo largo de la película y siempre en recuerdos deformados o reflejados en la ficción futurista de Chow (como el androide que no logra contestar a la pregunta).

Además este director oriental hace gala de su origen por todo el simbolismo y misticismo que contiene su obra. Ningún objeto es banal o gratuito. Cada cosa cumple su función y está colocada en el lugar exacto con un fin concreto.

Así vemos una serie de elementos que se repiten en buena parte de su filmografía y que en este caso no es diferente:

• o   La narración, voz en off a modo de diario.
• o   El tren como analogía del tiempo perdido o del vehículo de la vida.
• o   Los espejos que muestran una realidad oculta a la mirada superficial muestran el reflejo de las emociones que se internan en los personajes.
• o   La lluvia como elemento atmosférico asociado a la depresión y la tristeza; que emula al lloro reforzando esa melancolía pero que a la vez es purificador y capaz de borrar los rastros del pasado.
• o   El humo de tabaco, la volatilidad de la vida.
• o   La escritura y el teléfono como canales indirectos de transmisión de mensajes más sencillos que el habla, que requiere de un contacto más personal. La escritura como vínculo de unión entre dos personas, sirve de excusa en Deseando Amar y en 2046 para pasar más tiempo juntos.
• o   La suerte (o más bien la falta de ella) representada por medio del juego de azar, símbolo de perdición humana y del vicio que desvía a las personas del camino correcto.  Pero también como oráculo o deidad que determina nuestro destino.
• o   Los colores vivos fruto de su formación como diseñador gráfico.
• o   Y por supuesto la baja obturación en la captación de las imágenes que crea ese efecto ralentizado en muchas escenas.

El estilo visual es parte importante en su producción de ahí que el acabado sea tan trabajado e impecable. La sensibilidad de este director es palpable tanto en lo narrativo como en lo audiovisual.

La música viene de la mano de dos compositores que se repiten en la obra de Kar- Wai: el español Xavier Cugat con su “Perfidia” y “Siboney” y del japonés Shigeru Umebayashi que ponen ‘la guinda’ a esta obra con una banda sonora que sella en nuestra memoria auditiva el enamoramiento sin remedio que evocará las bellas escenas de 2046 y Deseando Amar siempre que volvamos a escuchar la voz de Connie Francis y las palabras: “Siboney en tu bocala miel puso su dulzor”.

El amor perdido en el tiempo es el tema central de Wong Kar-Wai y el hecho de cómo las palabras jamás pronunciadas, los hechos ignorados y las personas invisibles, el tiempo, el amor y el espacio puede condicionar nuestra existencia de forma mucho más real que cualquier otro elemento tangible.

"No sirve de nada encontrar a la persona indicada si el momento no es el adecuado". El ‘timing’ en el amor es importante ya que lo que se tarda semanas o meses en construir puede esfumarse en pocos minutos o segundos. “El amor es una cuestión de tiempo” según Wong Kar-Wai y todo debe encajar en sincronía para que sea posible.